文化|溝頭社區田野調查(一):田野行動能有什麼樣的實質意義?農村相關台語用詞分享

週末到彰化的二林參加由蔗青文化工作室舉辦的田野調查工作坊,活動為期兩天,主辦單位將成員分成三組,針對當地的溝頭社區展開田野調查,並以「建築地景」、「信仰地景」、「產業地景」三個面向分別討論。

兩天的活動大部分是進入鄉野實作,搭配上四小時左右的田調基礎介紹和農村變遷課程。

我和同組成員被分配到「建築地景」這個項目,稍作討論後,我們決定以不同型態的建築為發展主軸,討論建物與當地居民生活的關係,透過建築的變革來解剖「溝頭社區」的歷史。

溝頭社區當地的各種建築類型,前到後:公共空間(未受補助獨立興建的社區活動中心)、早期屋舍(三合院、土角厝等)、近幾年蓋的樓仔厝。Photo by Rye

主辦人在各組發表田調成果後說的話,讓我印象非常深刻,他告訴大家,雖然這次是以三大主題(建築、信仰、產業)分別探討社區文化和生活,但這三個層面的議題,都與居民生活緊密相關,不可切分。我們身為外來者,可以透過基本的線索一步一步探詢當地生活面貌,但不能忘記這些都是環環相扣的。

另外在實際走訪鄉野的過程中,也深深體認語言和溝通能力的重要。

溝頭社區目前以60歲以上的人口為主,台語是當地的主要用語,但團隊中有以客語為母語的苗栗人,有會聽但不太會說台語的桃園人,訪談過程中他們能和當地居民的交流自然變得非常有限,非常可惜。

除了基本的語言能力之外,對農村文化的基本認識、實際的農村生活經驗、相近的信仰習俗等,也都能讓對談更加深刻,若身為訪談人的我們,幸運地能將受訪者的經驗與自身經驗連結,就能填補受訪者言詞背後更深層的意境,例如他們因為太過習慣而忽略的事實,或者認為稀鬆平常不值一提的小事。

同時,道地的生活語彙必須是身處其中(或者曾經身處其中)的人才能真正理解。在台灣學習外語時,我們多數缺乏這樣的生活語境。然而回到台語,雖然它是我們國家中多數人的母語,但在華語本格教育下,也普遍缺乏實際運用的日常語境,當然更不用提農村中使用的農業相關台語詞彙了。

這次學到很多新的台語詞,稍微列舉如下:

烘米(華語:把米放在稻埕曬,也可使用機器處理。)

米絞 bí-ká(華語:碾米機)

挨米 e-bí(華語:碾米;將米磨成米漿。)

樓仔厝(華語:透天房屋)註一:一開始因為也想訪問溝頭阿嬤們對國宅的看法,聽到 lâu-á-tshù 時一度以為是「牢仔厝」,以為他們覺得公寓建築像牢房一樣。註二:在我居住的台中的家裡,長輩都直接說 thàu-thinn(直接讀出「透天」二字)

共業

種稻仔 tiū-á(華語:種稻米):我們在問問題時大部分都說「種米」,但阿公阿嬤們都說「種稻仔」,因為身處都市的我們在日常生活中只會談到已經精製過、能直接下鍋煮的「米」,不太有機會談到田家種植的綠色「稻作」。

予人吞去(華語:被人吞下去):在和某一位家中房屋已改建成「樓仔厝」的阿嬤聊天時,阿嬤也和我們分享她的政治看法,她說道如果下次選舉台灣人再被黑心的政客欺騙,就會像香港一樣「予人吞去」,非常生動有嚇阻效果的說法。

當地長期駐紮兩個社會團體(蔗青、清靜田),在日常生活中密切踏查當地環境,前者關注溝頭社區的發展和廣興國小的學校教育,後者更親身投入耕種並分享農耕及銷售方法。

社會工作本身非常辛苦,需要投入大量的時間、精力與人群相處、研究、設計思考,很佩服創辦人在不到30歲的年紀下,願意把生活貢獻到二林這樣的中介城市的精神。

相較之下,雖然我們只花兩天兩夜探究社區,但週末的田野體驗確實也幫助我們重新思考建築、物件在生活中的實際意義。

從政治層面我們看見政策下的地主共業阻礙居住地的建築翻新計畫,從生活層面我們看見三合院的紗網涼亭和榕樹下群聚的社群,體會店舖和群落如何依循居民的實際生活成形或消失,並進一步發展出公共意義;從產業層面我們窺探從育苗到碾米的完整稻作產業鍊;從信仰層面我們得知里媽、釋迦摩尼在社區的角色,以及過火儀式和車鼓陣消逝的原因。

保留社區歷史和記憶的工作有既定的歷史意義,但放眼看向更長久的未來,這些社會行動究竟有什麼樣的實質意義,也非常值得觀察和討論。

活動影像紀錄:

溝頭社區田野調查(二):成果圖集

展覽|台中放送局的《100種聲活》

台中放送局的《100種聲活》在展前募集了100張 和台中有關的「照片+聲音」 作品,執行單位@STUDIO也另外推出了一系列豐富的活動,包括封街市集、現場表演、露天電影等等。

活動主視覺

在R106展覽廳中,以木桌平擺的方式展出100張募集來的創作,看展的同時,似乎也在透過別人的眼睛,來認識自己居住的城市。發現台中還有好多地方還沒去過,趁機筆記下來找機會走訪!

Photo by Rye

左後方的展牆也擺滿了由感傷唱片行設計的卡帶牆,展出的卡帶包括過去好幾年的「最佳金曲大賞」、「最佳電影曲」等合集,也有陳淑樺、任賢齊的懷舊歌曲,「日本卡通28」、「這一夜誰來說相聲」等娛樂作品也包藏其中。

Photo by Rye

右手邊的展區呈現了建國市場的風貌,把平面照片擺在販售魚貨、蔬果的塑膠盤中,看起來非常貼切可愛。

建國市場風貌 / Photo by Rye

這次的台中放送季也推出國家電影中心的《時光台灣》紀錄片影展,5月2日到5月11日期間的週四、週五、週六下午都有放映活動,放映區也佈置的很可愛呢!

放映區的座位 / Photo by 林雪寶

這週末(5月11日、12日),放送局還有令人期待的「草獸派對 vegan 生活節」,沒有意外的話我們也會去逛逛的!

07/05/2019台中景點, 台中生活

語言學習|藝術科系的學生如何與英語藝術圈互動?從口譯論壇探討外語學習

為什麼香港藝術院校的學生英文都那麼好?

週六參加了台大翻譯學程舉辦的「第七屆亞洲口譯論壇」,主辦方邀請了台、韓、日、港的翻譯系所教授與會,討論各國翻譯教學的現況。

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讓我特別印象深刻的是來自香港的講者,他提起了香港口譯的狀況,因為當地實施雙語政策,所以多數人民都擁有英文能力,也讓口譯工作變得更加競爭、更有挑戰。

聽到這裡,讓我想起去年在香港Affordable Art Fair實習工作的經驗。當時許多同事都就讀藝術、設計等相關科系,但他們都能大致無礙地和來自新加坡、英國的主管直接溝通,也都能順暢的接待外國觀眾,當時的我回想著台灣藝術院校學生的平均語言能力,相較之下香港藝術院校實習生的表現讓我印象非常深刻!

香港作為國際大都市,區內人口密度極高,也有大量外語人士居住其中,有的在香港擔任高級主管,也有許多外籍移工生活其中,在這樣的大環境下,香港人使用外語的機會相對多了很多;而台灣的外語教育著重在考試能力,生活中能實際應用外語的場合也非常有限,相形之下,語言能力成為相對弱勢在所難免,那在台灣成長、求學的藝術院校學生,要怎麼提升語言溝通能力呢?

透過練習,藝術院校學生也能和英國藝術家簡單地溝通!

去年我曾在藝術論壇中為英國的藝術家Duncan口譯,他因為在台灣從事多媒體藝術、裝置藝術等教育課程的關係,對於跨語言溝通很有經驗,所以我特別向他請教了他與台灣藝術科系學生溝通的經驗。

Duncan認為,課堂初期和藝術背景的學生溝通確實有些困難,但課程以分組方式進行,所以小組成員能互相幫助,多數人也因而能夠理解課程內容;假以時日,學生們也能比過去更勇敢地以英語表達自己的想法,某些學生的口語表達能力甚至有非常顯見的進步。其中,Duncan在課堂中創造的友善外語溝通環境,絕對是幫助他們的重要因素。

語言學習專家會告訴你,只要敢開口就能進步,Duncan的藝術課程就是幫助藝術學生勇於以英語表達想法的重要環境。大學期間,我修習了校內美術系的課程,也認識了一位美術系的僑生Kian,他因為想到英國留學學習藝術創作,於是在畢業前很認真的準備雅思考試,也上了很多雅思課程。我和Kian是好朋友,我還記得他曾經跟我說,某次他隨著教我們這堂課的姚老師出國展覽作品時,發現老師在論壇中直接以英文發表自己的創作,讓他非常佩服!因為老師也是美術系出身,卻因自學而習得很好的外語溝通能力,也非常努力地用英文表達自己對藝術的看法,Kian希望自己也能像老師一樣,勇於開口,並且也能像老師一樣用流暢的英文介紹自己的創作,直接和外國策展人互動、交流

翻譯的本質:溝通!

回歸翻譯,無論筆譯或口譯,語言轉化的目的說到底就是為了溝通和交流。作為藝術家或策展人,即使是用很簡單的英文(也或許是法文、日文、韓文)和當地的藝術家和觀眾溝通,只要稍加了解藝術方面的用詞,並且多加練習勇敢開口,也能達成初步交流的目的,甚至拓展未來合作展覽的可能

而像我這種喜歡藝術的翻譯從業者,在翻譯藝術家的作品介紹、策展人的策展思維時,也會盡力查找資料來深入理解藝術家或策展人想說明的意思,也會自行搜尋藝術家作品的圖片或向他們索取相關的展覽照片,以期能把文章提及的各種美感和畫面盡力轉譯成英語,讓外國觀眾也能對作品感同身受,把創作者的理念傳播到更遠的地方。因為能藉機透過圖片欣賞作品,所以我也很享受這樣的工作過程。

RYE LIN ART & TRANSLATION 擅長各類中英翻譯案件,合作對象以藝文機構為大宗,如臺北藝博、臺藝大、香港全球水墨畫大展,也與國內外策展人、藝術家、藝評家、畫廊等合作。若有藝術文化類文章翻譯需求,歡迎洽詢RYE LIN ART & TRANSLATION,請來信ryeryelin@gmail.com

30/04/2019英語學習, 藝術博覽會, 藝術工作, 語言學習

展覽|來自澳洲原住民的極致版畫:Glen Mackie and Daniel O’Shane

Exhibition: Glen Mackie and Daniel O’Shane
Location: Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia
Period: 28 Oct 2017–28 Jan 2018

這檔版畫聯展,由托雷斯海峽群島的兩位藝術家Glen Mackie和Daniel O’Shane的作品組成,兩人各自以細緻的雕刻技藝,緩緩道出屬於屬於他們族群的生活經驗和傳奇故事。托雷斯海峽群島本身豐富的歷史和文化,著實為原住民藝術家們形塑出強烈的的故事風格。

《椰子》(局部)

Daniel O’Shane的創作主要以其故鄉伊魯伯島(Erub Island)的故事為根基,透過創作,他希望能保留家族流傳下來的故事。Daniel 精細的雕工完全表現在他個人風格強烈的背景紋飾上。不管是以蒼鷺、鬼臉魚和狗的群聚表現群島原住民透過航行而產生交流的《椰子》(Geb, Omai ene sirr),或者在《鵜鶘嘉瑋和淚水的聲音》(li ra mer ene Gawei)中困住沙丁魚、卻放任鵜鶘翱翔的洶湧海流,細看之下,會發現每件作品中的紋飾似乎都有類似的律動,但是圖騰卻都不重複,幾何紋飾的應用在Daniel 的手中發揮到了極致,極具巧思的背景設計也為Daniel 標幟出強烈的個人特色。

《鵜鶘嘉瑋和淚水的聲音》(局部)
《鵜鶘嘉瑋和淚水的聲音》(局部)

Glen Mackie和Daniel 都與凱恩斯的印刷大師Theo Tremblay合作,但和Daniel 不同的是,Glen的作品背景單純,因為他選擇將大量精緻的紋飾,應用在主角群身上。在《群蟹效應一》(The Githalai effect I)裡,爭先恐後想爬出黑盒子的蟹群彷彿各自帶著不同的繡飾的盔甲,但他們相同意圖的困獸之鬥卻只是作繭自縛,誰也沒有幫助誰離開那個地方。

《群蟹效應一》

Glen也擅長使用手工上色技巧來凸顯故事的主角。在《希蓋來臨》(The Coming of Sigai)中,希蓋與他的三個兄弟(坐在他的帽沿上)從約克角半島來到托雷斯海峽群島,回程時由於獨木舟不夠堅固,於是希蓋潛入水中,化身成雙髻鯊游回故鄉。從作品的色調我們可以發現還有另一位主角,那就是畫面下方、以鱷魚之姿現形的妻子麻優(Maiu)。麻優和希蓋分別來自Tudu島和Iama島,《希蓋來臨》也表現出兩個島嶼在傳統服裝和文化上的密集交流。

《希蓋來臨》
《希蓋來臨》(局部:鱷魚妻子)
《希蓋來臨》(局部:希蓋的兄弟)
《希蓋來臨》(局部:希蓋本人)

Glen Mackie和Daniel O’Shane的作品,不只讓我們看到原住民藝術中重要的圖騰紋飾,透過雕刻刀,他們也把屬於族群的故事和文化,呈現在澳洲觀眾眼前。

RYE LIN ART & TRANSLATION

www.ryelinart.com

展覽|2017 國家展:新澳大利亞藝術@馬車創意空間 The National 2017: New Australian Art @Carriageworks, Sydney

《2017國家展:新澳大利亞藝術》(The National: New Australian Art)是悉尼目前的重要大展,橫跨悉尼三大美術場館:新南威爾斯美術館(AGNSW)、澳洲當代藝術博物館(MCA)以及馬車創意空間(Carrigeworks)。在澳洲當代藝術博物館展區的展覽目前已經結束了,今天先針對Carriageworks展區的展覽做介紹。

前些日子在Carriageworks幫忙照看展場,搭擋是個血統複雜的澳洲人(有澳洲、英國、中國等血統),因為這次展覽是完全以澳洲本國籍藝術家為主,剛好也針對澳洲策展環境聊了幾句……。

如同前面所說,展覽全是澳洲籍的藝術家,但他們不一定是白人或澳洲原住民血統,其中也包含了移民後裔。

Claudia Nicholson “All I Have Are Dreams of You”
Image Source: https://claudianicholson.com/All-I-Have-Are-Dreams-Of-You

在進入黑白盒子展間之前,門外的第一件作品《All I Have Are Dreams of You》便是由澳洲籍、哥倫比亞裔的Claudia Nicholson所呈現的錄像及類似沙畫的作品,結合限時演出的舞蹈表演、木屑、亮粉以及音樂,為訪客們帶來熱烈的歡迎儀式。

藝術家本人其實希望透過作品,紀念已故歌手Selena Quintanilla,鮮豔的色彩彷彿Selena穿著的服裝,作品中的英文句子也是來自Selena作品中的歌詞。

拉姆許作品 Ramesh’s works
Photo by Rye

接著踏進的是黑盒子展間,展出斯里蘭卡裔藝術家Ramesh Mario Nithiyendran的大型裝置作品。結合霓虹燈、塗鴉、紙板、網球等等既街頭又休閒的元素,不帶一絲嚴肅的將情色、網際網路、時尚、性別意識流動等議題呈現在觀眾眼前。

穿過Ramesh Mario Nithiyendran的成人童話世界,進入了大大的白盒子空間,裡頭最吸睛的,無非就是Jess Johnson和Simon Ward創作的魔法陣式環形錄像舞臺了。

Jess Johnson & Simon Ward “Whol Why Wurld”
Photo by Rye

在這五組矩形螢幕圍繞的舞臺上方,也繪製了如同宗教儀式般的圖樣,螢幕中則播放了奇幻又不科學的肢體動作動畫。

卡拉・狄更斯《抗爭俱樂部》(2016) Karla Dickens “Fight Club” (2016)
Photo by Rye

進入入口的右手邊方向,是原住民藝術家卡拉・狄更斯(Karla Dickens)盾牌一般的作品。她使用最平實的材料(垃圾桶蓋)表達強烈的呼喊。展覽官網介紹了她的簡歷,但在這邊我不想透過性別及社會標籤去認識她,就讓大家看看她的作品,試著去想見她創作時深沉的心情。她作品中也強烈的訴說酒精之於澳洲人是如何重要、種族暴力及過去蠻橫的歷史(根據當地朋友的說法,澳洲這邊的高中課程,可沒有教他們多少屬於「他們」的歷史呢)。

卡拉・狄更斯《抗爭俱樂部》(局部)(2016) Karla Dickens “Fight Club” (2016)
Photo by Rye
卡拉・狄更斯《羈絆》(2015) Karla Dickens “Bound” (2015)
Photo by Rye

他另一系列的作品則是同一側牆上掛著的帆布衣衫,混雜各種素材,從人類的毛髮、塑膠梳子人造蕾絲、黃銅手鐲、牛齒…每件衣服都是一種羈絆,一種女性之所以在一段關係中委屈權權的羈絆:慣性、女性的社會角色、婚姻、小孩、歸屬感、經濟來源(順序和作品陳列次序無關)。

再往前走則是賈斯丁威廉斯(Justene Williams)的裝置作品,進門前門口立了一個小標:內含閃爍裝置,請自行判斷是否觀賞。

賈斯丁・威廉斯《金屬之泣》(2017) Justene Williams “A Metal Cry” (2017)
Photo by Rye

這件作品一樣也結合演出活動,一面高矮參差的電視牆播放著演出的錄像,而演出時的服裝則被穿在一旁的人形模特上。人偶帶著些許詭異和擾動,零散的佇立在展間,彷彿隨時要再次舞動起來。

賈斯丁・威廉斯《金屬之泣》(2017) Justene Williams “A Metal Cry” (2017)
Photo by Rye
賈斯丁・威廉斯《金屬之泣》(2017) Justene Williams “A Metal Cry” (2017)
Photo by Rye

最裡面的作品是Heath Franco的錄像《LIFE IS SEXY》,大約十多分鐘,一樣也有觀賞警語,這次是因為含有裸露畫面。

Heath Franco “LIFE IS SEXY”
Image source: Galerie pompom

作品源自一趟美國之行,Franco的超現實戲謔美學在他個人出演的錄像作品裡表露無遺,荒謬卻又日常,結合了強烈的性慾及幻想。上面有一小段作品節錄,真心推薦大家點進去感受一下Franco作品中迷人的荒唐。

以上是Carriageworks展區中我個人偏好的作品。週日也會帶大家到最後一個展場——新南威爾斯美術館走走看看,也會再另外寫一篇展覽介紹。敬請期待啦。

Rye Lin Ting-Ru

Merrylands, NSW

28/06/2017

展覽|四月初在雪梨gaffa的三個小展覽 Gaffa’s exhibitions lighted up this April @Townhall, Sydney

愚人節當天來到位於雪梨Townhall的gaffa,坐擁整棟建築物的gaffa為藝術創作提供許多的機會。

空間簡介

作為澳洲最大的珠寶飾品共同工作空間之一,一樓(Ground Floor)提供了許多金工器材和設施,以小時或天數計費,出租給創作者當工作室;也會不定期舉辦基礎的銀飾創作課程,其實想想身在雪梨還是滿幸運的,處處充滿創意和活力,之後如果比較有時間和預算,也會想來這邊上課、玩玩銀作飾品 : )

樓上(1F)的展場則隔成四個可以獨立展示的空間,通常會有三到四檔展覽同時展出(可以想見他們的藝術行政有多麽忙碌)。展覽內容等等下面再細說。

而其餘的空間有的開放給藝術家作為工作室場地,提供基本燈光設備、電力以及wifi網路,也有浴室和廚房等設施,也有機會共享gaffa的網路宣傳資源。由於鄰近雪梨市中心,場地也常會出租新書發表、品酒會、或是慈善募捐等各種活動使用。活動內容多元,看了都好希望可以在這裡工作呀。

當期展覽

如同剛才所說,這裡同時有四檔展覽,風格及媒材也大異其趣。

“The Sunroom”

第一間展場的展覽名為 “The Sunroom”,目前展出的是Luciana Smith的繪畫作品,我好喜歡她陰影的表現方式,質樸童趣的畫風也很療癒。

Luciana Smith / Sleepover at St. Vincents / 2016 / acrylic on canvas, 30 x 30 cm
(image from gaffa’s website)

Luciana近年的作品都融合了抽象描繪和寫實的再現,加上大膽的用色風格,讓人過目難忘。展覽介紹

“Standing”

第二展場是由Emily Galicek所策劃的聯展《Standing》,囊括了Renda Samuels, Emily Galicek, Hannah Mckellar, Natalie Synnott, Shireen Taweel以及Zoe Wong六位藝術家的作品。

Brenda Samuels / Tampons / 2017 / Oil on Canvas / 30 x 30 cm
(image from gaffa’s website)

要不是昨天棉條用完了,跑去逛了一圈後買了這個牌子,不然對這個完全無感。果然還是要多深入一個地方的生活才能更加理解他們藝術作品裡的指涉。

在這個策展題目下,除了繪畫之外,還有多件刺繡、金屬雕塑、以及複合媒材作品,策展人Galicek希望這些作品能從不同的角度述說女人的生活如何被勞心(情緒)、勞力(身體勞動)的事物交互影響,同時也想凸顯女人在社會分工中經常被視為「照顧者」這種有問題的刻板印象。

Hannah McKellar / Detours III / 2016 / embroidery on linen / 25 x 15 cm

三件刺繡作品並列在白牆上,真的非常美!

“Living Room”

第三間房間展示的是Katie Saunders的繪畫作品,稍微和她聊了一下,原來她所選用的畫布是二手商店買到的壁紙,難怪看起來磨損得很嚴重,原本還以為是運送時疏忽了,實在是我多心了呀。

Katie告訴我,她在畫作上呈現的都是棲息地受到威脅的生物,而另一方面,選擇襯底的標準很單純,僅以能襯托畫作主角為主。

Katie Saunders / Rhinoceros / 2017 / Oil paint, wallpaper, canvas / 37 x 75 cm

『內部空間其實依附於外部空間而存在,但對於環境的侵略以及對於野外生物的衝擊,往往不是我們優先考慮的範疇。我想討論的是環境和保育的問題。』(Katie Saunders,2017。林庭如譯)展覽介紹

小結

三個展覽都很小巧,看得輕鬆無負擔。發現了這樣充滿創作能量的地方也讓人心情非常好!

下次有來雪梨,不妨到這邊走走看看。而且隔兩條街就是有名的Queen Victoria Building了,裡面也有很好逛的小餐具店、美食街和各大品牌駐點銷售唷。

林庭如
Rye Ling Ting-Ru
20 April 2017
Parramatta, Sydney

展覽|《Today Tomorrow Yesterday》@MCA, Sydney

沒記錯的話應該是第二次到MCA看展。

還記得第一次因為約了朋友在附近的車站(Circulay Quay)碰面,時間有點趕,三層樓的展廳我只待了一個多小時左右;這次的時間比較充裕,一路待到MCA關門,但還是來不及好好看完同檔期的兩個展覽,有點可惜呀。

MCA是Museum of Contemporary Art Australia的縮寫,這裡也是藝術愛好者到雪梨必訪的景點之一,真心認為這裡的策展概念都很明確,作品本身也很值得一看。MCA即將在今年的11月邁向25周年,屆時有機會到雪梨的人一定要到這裡來看看。

Image result for MCA AUSTRALIA
Source: Wikipedia

美術館一樓(澳洲說法是Ground Floor)入口左側寫滿了MCA贊助者的名字,也擺上了一個樂捐箱,歡迎觀眾自由樂捐。這裡的展覽大多都是免費入場,11月3日開始的一檔新展覽《Connect with Everything》是少數需要門票的展覽。

接著走上二樓就是服務台了,每期展覽的小手冊都可以在這邊索取到,也會有工作人員簡單為你介紹當前的展覽。

以下會介紹MCA本期的收藏展,《Today Tomorrow Yesterday》。

《Today Tomorrow Yesterday》

開展日期:1 September 2016

展覽門票:免費入場

地址:140 George Street, The Rocks, Sydney NSW 2000

開放時間:Mon-Wed 10am-5pm / Thu 10am-9pm / Fri-Sun 10am-5pm

《Today Tomorrow Yesterday》展覽位於「Level Two」(三樓),是以MCA的藏品所策劃的展覽,整個展包含四十多位藝術家的作品,時間上也從1960年代跨越到現在。策展的核心命題在討論當今的藝術發展受到過去的哪些影響,有的展廳展出的作品是以當代的手法重新詮釋的原住民歷史,有的則呈現了二十世紀前半葉竄紅的前衛藝術時至今日的影響……每個展廳都從不同的角度剖開「現在-過去」這個偌大的時間維度,為觀眾呈現不同的思考模式。

展覽的命名其實是受到黎巴嫩藝術全才Kahlil Gibran的作品影響,身兼藝術家、哲學家及作家身分的Kahlil Gibran曾在書中寫下:「昨天不過是今天的回憶,而明天是今天的夢境。」策展人認為,這段文字感覺也像在描述美術館從過去到現在,在收藏澳洲當代藝術方面所承受和完成的挑戰。

Stuart Ringholt《Untitled》(Clock), 2014. Photo credit: MCA

走進展廳看到的第一件作品,便是Stuart Ringholt的巨大時鐘裝置《Untitled》(Clock)。

作品討論的是時間的計算/定義方式:在這件裝置裡,Ringholt將一小時訂為45分鐘,一天訂為18小時;而當一天從24小時變為18小時,那人們的一天雖然會變短,但擁有的日子卻變多了。(一個很有趣的概念,但我時常不敢想這種會扭轉世界時空秩序的事情,每每想到都會很頭痛呢。)

透過這件作品,他除了扭轉我們對時間的普遍認知,試圖顛覆人們對標準時間的想像之外,也想闡述「時間」終究是一種人類共同定義的產物,這個定義即便舉世皆同,人們在日常生活裡對於時間的感受卻也不盡相同。「快樂的時光總是過得特別快」,而沉痛的、緊繃的、沮喪的那些時刻,卻度秒如年。Ringholt提供給大眾另一種對於時間的測量和感知的方式。

Marco Fusinato《Parallel Collisions》, 2008. Photo Credit: MCA
 

Marco Fusinato的作品能夠以多種方式展演,既是視覺藝術也能以表演的方式呈現。在左側的展牆上,他彷彿重塑了圖片的時空,將原本的照片或樂譜重新拼貼成黑洞螺旋般的圖像,觀者彷彿也能跟著這樣的螺旋輾轉跳進另一個時空。

已經被演奏過的樂譜被扔到地上,形成的漩渦群也更加符合我們對於自由穿越不同時空的想像。

Ricky Swallow《Caravan》

Ricky Swallow的作品《Caravan》乍看之下我以為是金色老鼠,走近一看才發現是氣球。
氣球的存在原是短暫且帶有強烈的特定目的的,Swallow卻以黃銅將其重塑,使氣球成為能夠恆久存在的物件,且不同於氣球原本在慶典活動上的裝飾功能,Swallow的氣球雕塑游離了建築物、籬笆、禮物等物件,獨立的置放於它們本身即能被展演的角落,靜待觀者走向前感受他們靜默的派對氛圍。

Fiona Hall《Manuhiri (Travelers)》

漂流木由河流流向大海,卻再次被浪潮拋回岸邊,成群堆疊,看上去就像是動物的屍骨一樣呀。它們離開原本生活的森林準備往海洋前進,受到大海的重塑之後再次被送回紐西蘭東北角的陸地,隨後,在藝術家Fiona Hall的精心安排下,又再次被賦予新的角色和任務。

漂流木的展牆後方是藝術家Vernon Ah Kee的錄像作品《tall man》,他重新剪輯與澳洲原住民生活相關的影像片段成為一個四頻道的錄像。

Josh Raymond & Joan Ross《Colonial Grab》

Josh Raymond和蘇格蘭藝術家Joan Ross生動有趣的錄像作品《Colonial Grab》也相當引人流連,透過詼諧的手法講述的,卻是殘酷的殖民故事。Ross簡短扼要地說道:「我不覺得你生活在澳洲可以不去想過去的歷史。每次我走到海邊,我都想像,生活在這個天堂般的地方,卻在某一天,突然有了殖民者。」
作品一開始是由貴氣逼人的女子拉開序幕,她穿著鮮黃螢光色的華麗蓬蓬裙禮服,和飾有浮誇羽毛的高帽子,在拉霸機上隨機挑中了一片風景後,便開始自顧自地奪取及改造。

Bob Burruwal《Buya Male》

Bob Burruwal出生於澳洲北領地,他創作的主要訴求,是希望非原住民的族群能有機會認識原住民的文化。此次展出的作品《Buya Male》即為一例,這是當地居民在Marradirri慶典最後一天才會出現的晨星竿(morning star pole),族人在那個時候也會圍繞著竿子舞蹈,藉此讚揚過去勇於冒險的祖先們。附著於竿子上的羽毛像在和夜空中的繁星對話,環繞竿子的彩色圈圈也跟隨他們的舞蹈和音樂擺盪。

Hossein Valamanesh – Passing Time
Source: MCA

最後是做為主視覺的作品《Passing Time》,是Hossein Valamanesh於2011年的創作。這是一支四分鐘的錄像,藝術家在作品中以自己的手指不斷比出「無限」的符號,指頭不停翻轉,形成符號又拆開符碼,不斷循環。錄像作品被放置於黑色盒子中央,他希望觀眾能從不同角度觀看此件作品,也藉此拉近作品與觀眾的距離。

展覽總結

展覽的作品緊扣「時間」這個既抽象又具體的概念,透過不同的方式演繹時間的流逝以及被凝結的片刻,也再再引領觀眾回溯自身的、國家的、或是特定對象的過去和歷史。回到展覽的標題《Today Tomorrow Yesterday》,展覽最後想要觀眾看見的,也許就是一個又一個的昨日(Yesterday)軌跡吧。

林庭如,2016年9月23日

展覽|雪梨畫廊特區一日遊 Day Trip to Gallery Precinct @Paddington, Sydney

這次是第三次拜訪雪梨了,先前兩次去了Art Gallery of New South Wales(AGNSW)和 Museum of Contemporary Art(MCA),都是美術館類的機構;也去了複合式經營的攝影藝術空間Australian Centre for Photography(ACP)。以前看展主要都在美術館,後來因為在藝術博覽會工作的關係,漸漸開始對畫廊產生興趣,也越來越常跑畫廊看展,所以這次來雪梨的目標就換成商業藝廊,主要去了Redfern和Paddington這兩區。這篇會介紹Paddington的部分。

畫廊特區指路牌。Photo by Rye

在雪梨的Paddington有一個畫廊特區,大約是從1960年代就開始聚集了,目前這裡開了八間畫廊,非常密集。

這一帶的步調很悠閒,也沒有林立的高樓伴隨在側,畫廊各自盤踞一到兩層樓這類不高聳的矮房屋,靜靜的隔街對望。有些畫廊甚至有很美的後院,半開放式的空間讓陽光直接灑進展間,真的好美,在那邊工作很幸福吧。

Martin Browne Contemporary 畫廊一角。Photo by Rye

那就從這個擁有半開放式空間的Martin Browne Contemporary開始說起吧。

MARTIN BROWNE CONTEMPORARY

Exhibition 1: Joanna Braithwaite《Social Animal》

Date: 1-25 September 2016

Hours: Tuesday-Sunday 10:30am-6pm

Add: 15 Hampden Street Paddington, NSW 2021 Australia

Photo by Rye

一樓的展間主要展示了兩位藝術家,一進門看到的Joanna Braithwaite應該是超級強打,作品賣得很好,這次的個展名稱是《Social Animal》,主要以北極熊瀕臨危機的生活環境為題材,搭配其他像是樹懶、狗、鯨魚等動物畫作,所有動物皆以非常擬人的手法呈現。

這次展覽Braithwaite總共展出了23件2016年的新作,除了很多大尺幅的作品之外,小件的作品也一應具全。

Exhibition 2: Lucas Grogan

Date: 1-25 September 2016

Hours: Tuesday-Sunday 10:30am-6pm

Add: 15 Hampden Street Paddington, NSW 2021 Australia

《The Wrestlers》(2016)
Source: Martin Browne Contemporary’s website

裡面的展廳是另一位藝術家Lucas Grogan的個展,Grogan的畫作一系列都是藍藍一片,使用各種插圖將整幅作品填得滿滿滿,仔細觀賞的話其實會有些壓迫感,但倒也饒富趣味。有點宗教感又有點神祕,很多細節穿插其中,等著觀眾慢慢發現。

SARAH COTTIER GALLERY

Exhibition 1: Jamie North《Remainder》

Date: 8 September – 8 October 2016

Hours: Tuesday-Saturday 11am-6pm

Add: 23 Roylston Street Paddinton, NSW 2021 Australia

Sarah Cottier Gallery日前才被藝術媒體Blouin Artinfo選為年度最頂尖畫廊之一,這次來雪梨沒道理不來看看!

Photo by Rye

同時間有兩個展覽,第一個是位在入口大廳的Jamie North雕塑及攝影展。North的作品使用了水泥、煤灰、大理石廢料形塑成盆栽般的雕塑,並植入澳洲當地植物,一系列作品共有九件,皆以〈Remainder〉為銘並加以編號;同系列的另一件作品〈Drifting to Void〉亦使用了同樣手法,但是做成燈塔的形狀,整個系列作品擺在一起有種巨石陣的感覺,漫步其中也很有風味。(男友覺得像練習踢足球的障礙裝置…)

兩旁牆上則掛上了North的攝影作品來輝映,這系列影像都以山峰和縈繞在側的煙霧為拍攝對象,以黑白底片來表現。很喜歡他照片裡微微騷動的幽靜,山峰和前面提到的雕塑作品相互對話,很有整體感。
整個系列的件數不多,可供銷售的版次都只有三個。

Exhibition 2: Simon Barney《Paint Drawings》

Date: 8 September – 8 October 2016

Hours: Tuesday-Saturday 11am-6pm

Add: 23 Roylston Street Paddinton, NSW 2021 Australia

Photo by Rye

從右方的走廊彎進去可以看到第二個展間,展示了Simon Barney的彩色抽象繪畫作品。
翻了一下Sarah Cottier幫藝術家出的作品專冊,質感和設計都非常棒!書裡面可以看到很多Barney的黑白繪畫作品,其實比起目前正在展售的作品,我更喜歡那些黑白的畫作,線條簡單卻不似此次展出的作品般抽象,可以看到他將生活物品簡化並以線條重新構成的表現功力。

Photo by Rye

JUSTIN MILLER ART

Hours: Wednesday-Sunday 10am-5pm

Add: 10A Roylston Street Paddington, NSW 2021 Australia

這間畫廊主要是以銷售二手作品為主,所以也沒有固定策展。不過也有機會看到大師的作品,像是Sidney Nolan的畫作剛好也有在銷售!它的對面就是Martin Browne Contemporary,所以其實真的很方便,順道進去逛逛也相當不錯。

Photo by Rye
Photo by Rye

有看到幾件喜歡的雕塑作品,這邊雕塑作品的賣相都很好呢,下次有機會還是會想再進來看看的。

來到Paddington的這一天剛好是風和日麗的下午,陽光輕輕柔柔的灑在特區的街道上,是很優閒舒適的一個午後呢。聽JUSTIN MILLER ART的藝廊員工說這邊總共有八家畫廊,還沒來的及造訪的五家就等下次再去逛逛囉!

林庭如,2016年9月18日

展覽|北藝新媒104及期末展《不然你以為》@北藝大

上週看了北藝大新媒104級的期末展《不然你以為》,他們是一群才剛要升大二的年輕學生呀。

國立臺北藝術大學新媒體藝術學系

104級期末展覽《不然你以為》

展期|2016 / 7 / 2 ~ 7 / 5
地點|北藝大研究大樓
https://www.facebook.com/events/1740804902807149/

開始在看這些作品時,我想著一群剛上大學不久的藝術學校學生,如何去面對一個期末展?最簡單當然是以自己為主角,並從簡單的、現有的場景開始拍攝,因此,二樓剛進入展場的幾件作品,以「行為」式的錄像為主,透過自己的身體去演繹某些概念。

蔡雅如同學的作品比較跳脫了出來,她挖出過去大概是高中時期寫的日記,把它們印出來,赤裸地呈現在觀眾面前,大多是一些紀錄她負面情緒的文字。而她自己也透過檔案式的照片陳列以及她的現場行為去對比這些作品,她的檔案就是她的電動遊戲畫面,她把它們截下來,貼滿整面牆,而她自己坐在書桌前,繼續打她的電動。

接著,一個霎那間,她突然轉頭甜甜地問我們,要不要幫我們解說,讓我跟朋友都很訝異!本來以為她既然想成為作品的一部份,應該會禁止自己講話之類的XD

另一個比較印象深刻的部分就是動力裝置《ㄎㄧㄤ ㄎㄧㄤ》,是劉燦瑜同學的作品。大小及形狀不一的玻璃容器裡,有些裝了水,也些則維持空瓶的狀態,它們被設定成彈珠檯上的小柱子,陪伴兩顆銀色彈珠來回滾動。大一就做這東西感覺滿猛的,滿期待他之後的作品,明年有空再關注一下。打光也打得不錯,讓作品很有存在感。

成敏《和你分開所做的最後妥協》是一個簡單的互動裝置,你靠近燈泡它就瘋狂閃爍一發,讓你精神為之一振就是了。

最後我最喜歡的作品是一樓的《一起走走》,作者(也可能不是他本人的聲音啦)透過獨白的方式講述了三個短短的故事,從他自己內心的疑問出發,他質疑他自己的價值,但也為自己下了輕鬆的結論,先自問了「大學生為什麼這麼累?」而後說可能因為需要思考很多事情,「但我不累因為我不去思考」,很消極但很療癒啊。描述完人生活的價值之後,他繼續閒聊,「我似乎喜歡建築」(但他又說了他其實更喜歡批評建築)……
這些口白同時搭配著投影,小小的光點遊走在他所搭建的三座城市,這些城市像三座浮島,卻因為他的故事而被連接起來。我很喜歡這種獨白敘事性的城市故事,就算故事沒什麼意義也一樣,我喜歡被故事裡的情緒牽引,這種感覺像是不小心體驗到了別人的人生一樣,對我來說很驚喜也很有趣。

期末展好像沒什麼好總結的,畢竟也是聯展形式,沒有什麼特別的脈絡,但看到了很喜歡的作品很開心。剛好今天下午在北美館也有看到一件敘事性的作品,我真的很喜歡第一人稱視角的劇本,陳哲偉個展的作品之一《雙重肖像》也是透過獨白的方式去說故事喔,之後跟北美近期的其他展裡再一起寫一篇。

林庭如,2016年7月10日寫於台灣台北

展覽座談|圖像與機制 @南海藝廊

前天下午參加了《圖像與機制》的座談會,策展人是汪正翔,當天除了參展藝術家出席以外,也邀請了攝影之聲創辦人李威儀和獨立策展人呂岱如出席。

展期|2016 / 6 / 03 ~ 6 / 11(6/06, 6/07, 6/09休館)
策展|汪正翔
參展藝術家|許戊德、李承翰、吳孟真、李佳祐、楊雅淳、廖建寧、汪正翔、柯鈞耀(視訊連線)

座談|2016 / 6 / 05 Sun. 14:00
與談|呂岱如(獨立策展人、自由作家)、李威儀(VOP攝影之聲主編)
地點|南海藝廊(台北市中正區重慶南路二段19巷3號)
輸出|Metropoly Studios 指定/協力輸出

座談首先是由各創作者介紹自己的創作。

作品介紹


▲ 李佳佑《真實虛構》,Photo credit: 《圖像與機制》活動專頁

李佳佑的作品,乍看之下只是放出全黑全白的一組底片鑲以金框,但他分享了他自己觀看這件作品的方式:建議大家先找其中一幅作品,在燈光下細細凝視,看完以後,在觀看旁邊看似全白的作品,會發現兩件作品會是相對應的。
作品以家族舊照為基底,對他來說,相片裡的那些人都與他有著血緣關係,但那些故事卻都是他未曾參與的歷史。這些與他記憶無關的影像,卻成為了他家族存在的證據,同時也成為他自身存在的線索。
當觀眾以他所建議的觀看方式觀賞這件作品時,也會有類似他當時翻閱家族照片的心情吧。


汪正翔《現象世界Photo credit: 《圖像與機制》活動專頁

汪正翔則是對著電腦螢幕拍下作品,他不諱言這是一種很明顯很粗糙的方式,但他有點享受這種『耍low的快感』。
汪感覺是個很誠實的人吶(?),座談的過程時常覺得,「這你可以講出來嗎?」(會覺得好像在聽柯P講話XD)


▲ 楊雅淳《去除彩色後剩下的無彩色關係》Photo credit: 《圖像與機制》活動專頁

楊雅淳說她創作時其實習慣同時拍攝彩色與黑白,而這次的作品卻像是遊走在兩者之間,是她在「彩色」和「黑白」之間找出的「機制」。
她喜歡拍攝物體在空間裡既存的關係。當人們不特意去觀察生活日常中的環境時,這些物件都是獨立的,但透過影像的框架(也就是鏡頭),楊雅淳捕捉了那些無聲的關係。

一直很喜歡雅淳的作品,兩年前也寫過一篇關於她個展的文章,展覽|楊雅淳個展《Park》@田園城市風格書店。我個人覺得她的風格很統一,她的第一本攝影集《good night》以及那次在田園城市的展覽,也都是在拍攝看不見的「關係」。


▲ 廖建寧《The Flotsam of Time》Photo credit: 廖建寧個人網站

「是一組以想像的海岸風景為主題的作品。」廖建寧認為,攝影賦予圖像一種真實性,你也許不曾擁有過某種東西,但透過攝影卻可以確立它的存在。

看更多廖建寧的作品:https://dl.dropboxusercontent.com/u/10561697/web/index.html

各作品的理念也可以參考活動專頁的貼文:https://www.facebook.com/events/1043038375776588/?active_tab=posts

座談

討論的問題從展覽名稱就開始了,為什麼汪正翔選了「圖像」而非「影像」?
汪回答,他認為圖像涵蓋的層面比影像更廣。他也提到,聽過身邊朋友很多朋友談及影像工作時,會將彼此的工作區分為「做攝影的」或「做圖像的」,攝影比較像是傳統的紀實;而圖像相對於攝影,大概是一個比較「當代」的概念。

針對「機制」,台下也有疑問:機制代表的是否是一種限制?
欣姸在計程車上也繼續討論了這個題目,如果我們先設定好要拍攝的主題和方式,那這樣就是一種限制,但機制是這樣嗎?攝影真的需要這樣做嗎?
對我來說機制確實是這樣,所謂的機制不就是一套規律嗎(當然「規律」也可能是一套很多很繁雜的規則,但就姑且先整合成一套規律)?這也像是老師們常說的,要用「系列」的方式去拍照,而當你決定那一套系列的時候,那就是你的機制。

整場座談其實還滿久的,老實說我也沒有一直很專心,大概就是選擇性地聽進一些想聽的東西。

文末附上官方推薦的文章,可以透過一個較有系統的方式去了解作品的脈絡。

才晟耀:影像的相對質變,圖像與機制的歷程
https://talks.taishinart.org.tw/event/talks/2016060601

林庭如,2016年6月7日寫於台灣台北