展覽|2017 國家展:新澳大利亞藝術@馬車創意空間 The National 2017: New Australian Art @Carriageworks, Sydney

《2017國家展:新澳大利亞藝術》(The National: New Australian Art)是悉尼目前的重要大展,橫跨悉尼三大美術場館:新南威爾斯美術館(AGNSW)、澳洲當代藝術博物館(MCA)以及馬車創意空間(Carrigeworks)。在澳洲當代藝術博物館展區的展覽目前已經結束了,今天先針對Carriageworks展區的展覽做介紹。

前些日子在Carriageworks幫忙照看展場,搭擋是個血統複雜的澳洲人(有澳洲、英國、中國等血統),因為這次展覽是完全以澳洲本國籍藝術家為主,剛好也針對澳洲策展環境聊了幾句……。

如同前面所說,展覽全是澳洲籍的藝術家,但他們不一定是白人或澳洲原住民血統,其中也包含了移民後裔。

Claudia Nicholson “All I Have Are Dreams of You”
Image Source: https://claudianicholson.com/All-I-Have-Are-Dreams-Of-You

在進入黑白盒子展間之前,門外的第一件作品《All I Have Are Dreams of You》便是由澳洲籍、哥倫比亞裔的Claudia Nicholson所呈現的錄像及類似沙畫的作品,結合限時演出的舞蹈表演、木屑、亮粉以及音樂,為訪客們帶來熱烈的歡迎儀式。

藝術家本人其實希望透過作品,紀念已故歌手Selena Quintanilla,鮮豔的色彩彷彿Selena穿著的服裝,作品中的英文句子也是來自Selena作品中的歌詞。

拉姆許作品 Ramesh’s works
Photo by Rye

接著踏進的是黑盒子展間,展出斯里蘭卡裔藝術家Ramesh Mario Nithiyendran的大型裝置作品。結合霓虹燈、塗鴉、紙板、網球等等既街頭又休閒的元素,不帶一絲嚴肅的將情色、網際網路、時尚、性別意識流動等議題呈現在觀眾眼前。

穿過Ramesh Mario Nithiyendran的成人童話世界,進入了大大的白盒子空間,裡頭最吸睛的,無非就是Jess Johnson和Simon Ward創作的魔法陣式環形錄像舞臺了。

Jess Johnson & Simon Ward “Whol Why Wurld”
Photo by Rye

在這五組矩形螢幕圍繞的舞臺上方,也繪製了如同宗教儀式般的圖樣,螢幕中則播放了奇幻又不科學的肢體動作動畫。

卡拉・狄更斯《抗爭俱樂部》(2016) Karla Dickens “Fight Club” (2016)
Photo by Rye

進入入口的右手邊方向,是原住民藝術家卡拉・狄更斯(Karla Dickens)盾牌一般的作品。她使用最平實的材料(垃圾桶蓋)表達強烈的呼喊。展覽官網介紹了她的簡歷,但在這邊我不想透過性別及社會標籤去認識她,就讓大家看看她的作品,試著去想見她創作時深沉的心情。她作品中也強烈的訴說酒精之於澳洲人是如何重要、種族暴力及過去蠻橫的歷史(根據當地朋友的說法,澳洲這邊的高中課程,可沒有教他們多少屬於「他們」的歷史呢)。

卡拉・狄更斯《抗爭俱樂部》(局部)(2016) Karla Dickens “Fight Club” (2016)
Photo by Rye
卡拉・狄更斯《羈絆》(2015) Karla Dickens “Bound” (2015)
Photo by Rye

他另一系列的作品則是同一側牆上掛著的帆布衣衫,混雜各種素材,從人類的毛髮、塑膠梳子人造蕾絲、黃銅手鐲、牛齒…每件衣服都是一種羈絆,一種女性之所以在一段關係中委屈權權的羈絆:慣性、女性的社會角色、婚姻、小孩、歸屬感、經濟來源(順序和作品陳列次序無關)。

再往前走則是賈斯丁威廉斯(Justene Williams)的裝置作品,進門前門口立了一個小標:內含閃爍裝置,請自行判斷是否觀賞。

賈斯丁・威廉斯《金屬之泣》(2017) Justene Williams “A Metal Cry” (2017)
Photo by Rye

這件作品一樣也結合演出活動,一面高矮參差的電視牆播放著演出的錄像,而演出時的服裝則被穿在一旁的人形模特上。人偶帶著些許詭異和擾動,零散的佇立在展間,彷彿隨時要再次舞動起來。

賈斯丁・威廉斯《金屬之泣》(2017) Justene Williams “A Metal Cry” (2017)
Photo by Rye
賈斯丁・威廉斯《金屬之泣》(2017) Justene Williams “A Metal Cry” (2017)
Photo by Rye

最裡面的作品是Heath Franco的錄像《LIFE IS SEXY》,大約十多分鐘,一樣也有觀賞警語,這次是因為含有裸露畫面。

Heath Franco “LIFE IS SEXY”
Image source: Galerie pompom

作品源自一趟美國之行,Franco的超現實戲謔美學在他個人出演的錄像作品裡表露無遺,荒謬卻又日常,結合了強烈的性慾及幻想。上面有一小段作品節錄,真心推薦大家點進去感受一下Franco作品中迷人的荒唐。

以上是Carriageworks展區中我個人偏好的作品。週日也會帶大家到最後一個展場——新南威爾斯美術館走走看看,也會再另外寫一篇展覽介紹。敬請期待啦。

Rye Lin Ting-Ru

Merrylands, NSW

28/06/2017

展覽|四月初在雪梨gaffa的三個小展覽 Gaffa’s exhibitions lighted up this April @Townhall, Sydney

愚人節當天來到位於雪梨Townhall的gaffa,坐擁整棟建築物的gaffa為藝術創作提供許多的機會。

空間簡介

作為澳洲最大的珠寶飾品共同工作空間之一,一樓(Ground Floor)提供了許多金工器材和設施,以小時或天數計費,出租給創作者當工作室;也會不定期舉辦基礎的銀飾創作課程,其實想想身在雪梨還是滿幸運的,處處充滿創意和活力,之後如果比較有時間和預算,也會想來這邊上課、玩玩銀作飾品 : )

樓上(1F)的展場則隔成四個可以獨立展示的空間,通常會有三到四檔展覽同時展出(可以想見他們的藝術行政有多麽忙碌)。展覽內容等等下面再細說。

而其餘的空間有的開放給藝術家作為工作室場地,提供基本燈光設備、電力以及wifi網路,也有浴室和廚房等設施,也有機會共享gaffa的網路宣傳資源。由於鄰近雪梨市中心,場地也常會出租新書發表、品酒會、或是慈善募捐等各種活動使用。活動內容多元,看了都好希望可以在這裡工作呀。

當期展覽

如同剛才所說,這裡同時有四檔展覽,風格及媒材也大異其趣。

“The Sunroom”

第一間展場的展覽名為 “The Sunroom”,目前展出的是Luciana Smith的繪畫作品,我好喜歡她陰影的表現方式,質樸童趣的畫風也很療癒。

Luciana Smith / Sleepover at St. Vincents / 2016 / acrylic on canvas, 30 x 30 cm
(image from gaffa’s website)

Luciana近年的作品都融合了抽象描繪和寫實的再現,加上大膽的用色風格,讓人過目難忘。展覽介紹

“Standing”

第二展場是由Emily Galicek所策劃的聯展《Standing》,囊括了Renda Samuels, Emily Galicek, Hannah Mckellar, Natalie Synnott, Shireen Taweel以及Zoe Wong六位藝術家的作品。

Brenda Samuels / Tampons / 2017 / Oil on Canvas / 30 x 30 cm
(image from gaffa’s website)

要不是昨天棉條用完了,跑去逛了一圈後買了這個牌子,不然對這個完全無感。果然還是要多深入一個地方的生活才能更加理解他們藝術作品裡的指涉。

在這個策展題目下,除了繪畫之外,還有多件刺繡、金屬雕塑、以及複合媒材作品,策展人Galicek希望這些作品能從不同的角度述說女人的生活如何被勞心(情緒)、勞力(身體勞動)的事物交互影響,同時也想凸顯女人在社會分工中經常被視為「照顧者」這種有問題的刻板印象。

Hannah McKellar / Detours III / 2016 / embroidery on linen / 25 x 15 cm

三件刺繡作品並列在白牆上,真的非常美!

“Living Room”

第三間房間展示的是Katie Saunders的繪畫作品,稍微和她聊了一下,原來她所選用的畫布是二手商店買到的壁紙,難怪看起來磨損得很嚴重,原本還以為是運送時疏忽了,實在是我多心了呀。

Katie告訴我,她在畫作上呈現的都是棲息地受到威脅的生物,而另一方面,選擇襯底的標準很單純,僅以能襯托畫作主角為主。

Katie Saunders / Rhinoceros / 2017 / Oil paint, wallpaper, canvas / 37 x 75 cm

『內部空間其實依附於外部空間而存在,但對於環境的侵略以及對於野外生物的衝擊,往往不是我們優先考慮的範疇。我想討論的是環境和保育的問題。』(Katie Saunders,2017。林庭如譯)展覽介紹

小結

三個展覽都很小巧,看得輕鬆無負擔。發現了這樣充滿創作能量的地方也讓人心情非常好!

下次有來雪梨,不妨到這邊走走看看。而且隔兩條街就是有名的Queen Victoria Building了,裡面也有很好逛的小餐具店、美食街和各大品牌駐點銷售唷。

林庭如
Rye Ling Ting-Ru
20 April 2017
Parramatta, Sydney

展覽|《Today Tomorrow Yesterday》@MCA, Sydney

沒記錯的話應該是第二次到MCA看展。

還記得第一次因為約了朋友在附近的車站(Circulay Quay)碰面,時間有點趕,三層樓的展廳我只待了一個多小時左右;這次的時間比較充裕,一路待到MCA關門,但還是來不及好好看完同檔期的兩個展覽,有點可惜呀。

MCA是Museum of Contemporary Art Australia的縮寫,這裡也是藝術愛好者到雪梨必訪的景點之一,真心認為這裡的策展概念都很明確,作品本身也很值得一看。MCA即將在今年的11月邁向25周年,屆時有機會到雪梨的人一定要到這裡來看看。

Image result for MCA AUSTRALIA
Source: Wikipedia

美術館一樓(澳洲說法是Ground Floor)入口左側寫滿了MCA贊助者的名字,也擺上了一個樂捐箱,歡迎觀眾自由樂捐。這裡的展覽大多都是免費入場,11月3日開始的一檔新展覽《Connect with Everything》是少數需要門票的展覽。

接著走上二樓就是服務台了,每期展覽的小手冊都可以在這邊索取到,也會有工作人員簡單為你介紹當前的展覽。

以下會介紹MCA本期的收藏展,《Today Tomorrow Yesterday》。

《Today Tomorrow Yesterday》

開展日期:1 September 2016

展覽門票:免費入場

地址:140 George Street, The Rocks, Sydney NSW 2000

開放時間:Mon-Wed 10am-5pm / Thu 10am-9pm / Fri-Sun 10am-5pm

《Today Tomorrow Yesterday》展覽位於「Level Two」(三樓),是以MCA的藏品所策劃的展覽,整個展包含四十多位藝術家的作品,時間上也從1960年代跨越到現在。策展的核心命題在討論當今的藝術發展受到過去的哪些影響,有的展廳展出的作品是以當代的手法重新詮釋的原住民歷史,有的則呈現了二十世紀前半葉竄紅的前衛藝術時至今日的影響……每個展廳都從不同的角度剖開「現在-過去」這個偌大的時間維度,為觀眾呈現不同的思考模式。

展覽的命名其實是受到黎巴嫩藝術全才Kahlil Gibran的作品影響,身兼藝術家、哲學家及作家身分的Kahlil Gibran曾在書中寫下:「昨天不過是今天的回憶,而明天是今天的夢境。」策展人認為,這段文字感覺也像在描述美術館從過去到現在,在收藏澳洲當代藝術方面所承受和完成的挑戰。

Stuart Ringholt《Untitled》(Clock), 2014. Photo credit: MCA

走進展廳看到的第一件作品,便是Stuart Ringholt的巨大時鐘裝置《Untitled》(Clock)。

作品討論的是時間的計算/定義方式:在這件裝置裡,Ringholt將一小時訂為45分鐘,一天訂為18小時;而當一天從24小時變為18小時,那人們的一天雖然會變短,但擁有的日子卻變多了。(一個很有趣的概念,但我時常不敢想這種會扭轉世界時空秩序的事情,每每想到都會很頭痛呢。)

透過這件作品,他除了扭轉我們對時間的普遍認知,試圖顛覆人們對標準時間的想像之外,也想闡述「時間」終究是一種人類共同定義的產物,這個定義即便舉世皆同,人們在日常生活裡對於時間的感受卻也不盡相同。「快樂的時光總是過得特別快」,而沉痛的、緊繃的、沮喪的那些時刻,卻度秒如年。Ringholt提供給大眾另一種對於時間的測量和感知的方式。

Marco Fusinato《Parallel Collisions》, 2008. Photo Credit: MCA
 

Marco Fusinato的作品能夠以多種方式展演,既是視覺藝術也能以表演的方式呈現。在左側的展牆上,他彷彿重塑了圖片的時空,將原本的照片或樂譜重新拼貼成黑洞螺旋般的圖像,觀者彷彿也能跟著這樣的螺旋輾轉跳進另一個時空。

已經被演奏過的樂譜被扔到地上,形成的漩渦群也更加符合我們對於自由穿越不同時空的想像。

Ricky Swallow《Caravan》

Ricky Swallow的作品《Caravan》乍看之下我以為是金色老鼠,走近一看才發現是氣球。
氣球的存在原是短暫且帶有強烈的特定目的的,Swallow卻以黃銅將其重塑,使氣球成為能夠恆久存在的物件,且不同於氣球原本在慶典活動上的裝飾功能,Swallow的氣球雕塑游離了建築物、籬笆、禮物等物件,獨立的置放於它們本身即能被展演的角落,靜待觀者走向前感受他們靜默的派對氛圍。

Fiona Hall《Manuhiri (Travelers)》

漂流木由河流流向大海,卻再次被浪潮拋回岸邊,成群堆疊,看上去就像是動物的屍骨一樣呀。它們離開原本生活的森林準備往海洋前進,受到大海的重塑之後再次被送回紐西蘭東北角的陸地,隨後,在藝術家Fiona Hall的精心安排下,又再次被賦予新的角色和任務。

漂流木的展牆後方是藝術家Vernon Ah Kee的錄像作品《tall man》,他重新剪輯與澳洲原住民生活相關的影像片段成為一個四頻道的錄像。

Josh Raymond & Joan Ross《Colonial Grab》

Josh Raymond和蘇格蘭藝術家Joan Ross生動有趣的錄像作品《Colonial Grab》也相當引人流連,透過詼諧的手法講述的,卻是殘酷的殖民故事。Ross簡短扼要地說道:「我不覺得你生活在澳洲可以不去想過去的歷史。每次我走到海邊,我都想像,生活在這個天堂般的地方,卻在某一天,突然有了殖民者。」
作品一開始是由貴氣逼人的女子拉開序幕,她穿著鮮黃螢光色的華麗蓬蓬裙禮服,和飾有浮誇羽毛的高帽子,在拉霸機上隨機挑中了一片風景後,便開始自顧自地奪取及改造。

Bob Burruwal《Buya Male》

Bob Burruwal出生於澳洲北領地,他創作的主要訴求,是希望非原住民的族群能有機會認識原住民的文化。此次展出的作品《Buya Male》即為一例,這是當地居民在Marradirri慶典最後一天才會出現的晨星竿(morning star pole),族人在那個時候也會圍繞著竿子舞蹈,藉此讚揚過去勇於冒險的祖先們。附著於竿子上的羽毛像在和夜空中的繁星對話,環繞竿子的彩色圈圈也跟隨他們的舞蹈和音樂擺盪。

Hossein Valamanesh – Passing Time
Source: MCA

最後是做為主視覺的作品《Passing Time》,是Hossein Valamanesh於2011年的創作。這是一支四分鐘的錄像,藝術家在作品中以自己的手指不斷比出「無限」的符號,指頭不停翻轉,形成符號又拆開符碼,不斷循環。錄像作品被放置於黑色盒子中央,他希望觀眾能從不同角度觀看此件作品,也藉此拉近作品與觀眾的距離。

展覽總結

展覽的作品緊扣「時間」這個既抽象又具體的概念,透過不同的方式演繹時間的流逝以及被凝結的片刻,也再再引領觀眾回溯自身的、國家的、或是特定對象的過去和歷史。回到展覽的標題《Today Tomorrow Yesterday》,展覽最後想要觀眾看見的,也許就是一個又一個的昨日(Yesterday)軌跡吧。

林庭如,2016年9月23日

展覽|雪梨畫廊特區一日遊 Day Trip to Gallery Precinct @Paddington, Sydney

這次是第三次拜訪雪梨了,先前兩次去了Art Gallery of New South Wales(AGNSW)和 Museum of Contemporary Art(MCA),都是美術館類的機構;也去了複合式經營的攝影藝術空間Australian Centre for Photography(ACP)。以前看展主要都在美術館,後來因為在藝術博覽會工作的關係,漸漸開始對畫廊產生興趣,也越來越常跑畫廊看展,所以這次來雪梨的目標就換成商業藝廊,主要去了Redfern和Paddington這兩區。這篇會介紹Paddington的部分。

畫廊特區指路牌。Photo by Rye

在雪梨的Paddington有一個畫廊特區,大約是從1960年代就開始聚集了,目前這裡開了八間畫廊,非常密集。

這一帶的步調很悠閒,也沒有林立的高樓伴隨在側,畫廊各自盤踞一到兩層樓這類不高聳的矮房屋,靜靜的隔街對望。有些畫廊甚至有很美的後院,半開放式的空間讓陽光直接灑進展間,真的好美,在那邊工作很幸福吧。

Martin Browne Contemporary 畫廊一角。Photo by Rye

那就從這個擁有半開放式空間的Martin Browne Contemporary開始說起吧。

MARTIN BROWNE CONTEMPORARY

Exhibition 1: Joanna Braithwaite《Social Animal》

Date: 1-25 September 2016

Hours: Tuesday-Sunday 10:30am-6pm

Add: 15 Hampden Street Paddington, NSW 2021 Australia

Photo by Rye

一樓的展間主要展示了兩位藝術家,一進門看到的Joanna Braithwaite應該是超級強打,作品賣得很好,這次的個展名稱是《Social Animal》,主要以北極熊瀕臨危機的生活環境為題材,搭配其他像是樹懶、狗、鯨魚等動物畫作,所有動物皆以非常擬人的手法呈現。

這次展覽Braithwaite總共展出了23件2016年的新作,除了很多大尺幅的作品之外,小件的作品也一應具全。

Exhibition 2: Lucas Grogan

Date: 1-25 September 2016

Hours: Tuesday-Sunday 10:30am-6pm

Add: 15 Hampden Street Paddington, NSW 2021 Australia

《The Wrestlers》(2016)
Source: Martin Browne Contemporary’s website

裡面的展廳是另一位藝術家Lucas Grogan的個展,Grogan的畫作一系列都是藍藍一片,使用各種插圖將整幅作品填得滿滿滿,仔細觀賞的話其實會有些壓迫感,但倒也饒富趣味。有點宗教感又有點神祕,很多細節穿插其中,等著觀眾慢慢發現。

SARAH COTTIER GALLERY

Exhibition 1: Jamie North《Remainder》

Date: 8 September – 8 October 2016

Hours: Tuesday-Saturday 11am-6pm

Add: 23 Roylston Street Paddinton, NSW 2021 Australia

Sarah Cottier Gallery日前才被藝術媒體Blouin Artinfo選為年度最頂尖畫廊之一,這次來雪梨沒道理不來看看!

Photo by Rye

同時間有兩個展覽,第一個是位在入口大廳的Jamie North雕塑及攝影展。North的作品使用了水泥、煤灰、大理石廢料形塑成盆栽般的雕塑,並植入澳洲當地植物,一系列作品共有九件,皆以〈Remainder〉為銘並加以編號;同系列的另一件作品〈Drifting to Void〉亦使用了同樣手法,但是做成燈塔的形狀,整個系列作品擺在一起有種巨石陣的感覺,漫步其中也很有風味。(男友覺得像練習踢足球的障礙裝置…)

兩旁牆上則掛上了North的攝影作品來輝映,這系列影像都以山峰和縈繞在側的煙霧為拍攝對象,以黑白底片來表現。很喜歡他照片裡微微騷動的幽靜,山峰和前面提到的雕塑作品相互對話,很有整體感。
整個系列的件數不多,可供銷售的版次都只有三個。

Exhibition 2: Simon Barney《Paint Drawings》

Date: 8 September – 8 October 2016

Hours: Tuesday-Saturday 11am-6pm

Add: 23 Roylston Street Paddinton, NSW 2021 Australia

Photo by Rye

從右方的走廊彎進去可以看到第二個展間,展示了Simon Barney的彩色抽象繪畫作品。
翻了一下Sarah Cottier幫藝術家出的作品專冊,質感和設計都非常棒!書裡面可以看到很多Barney的黑白繪畫作品,其實比起目前正在展售的作品,我更喜歡那些黑白的畫作,線條簡單卻不似此次展出的作品般抽象,可以看到他將生活物品簡化並以線條重新構成的表現功力。

Photo by Rye

JUSTIN MILLER ART

Hours: Wednesday-Sunday 10am-5pm

Add: 10A Roylston Street Paddington, NSW 2021 Australia

這間畫廊主要是以銷售二手作品為主,所以也沒有固定策展。不過也有機會看到大師的作品,像是Sidney Nolan的畫作剛好也有在銷售!它的對面就是Martin Browne Contemporary,所以其實真的很方便,順道進去逛逛也相當不錯。

Photo by Rye
Photo by Rye

有看到幾件喜歡的雕塑作品,這邊雕塑作品的賣相都很好呢,下次有機會還是會想再進來看看的。

來到Paddington的這一天剛好是風和日麗的下午,陽光輕輕柔柔的灑在特區的街道上,是很優閒舒適的一個午後呢。聽JUSTIN MILLER ART的藝廊員工說這邊總共有八家畫廊,還沒來的及造訪的五家就等下次再去逛逛囉!

林庭如,2016年9月18日

展覽|北藝新媒104及期末展《不然你以為》@北藝大

上週看了北藝大新媒104級的期末展《不然你以為》,他們是一群才剛要升大二的年輕學生呀。

國立臺北藝術大學新媒體藝術學系

104級期末展覽《不然你以為》

展期|2016 / 7 / 2 ~ 7 / 5
地點|北藝大研究大樓
https://www.facebook.com/events/1740804902807149/

開始在看這些作品時,我想著一群剛上大學不久的藝術學校學生,如何去面對一個期末展?最簡單當然是以自己為主角,並從簡單的、現有的場景開始拍攝,因此,二樓剛進入展場的幾件作品,以「行為」式的錄像為主,透過自己的身體去演繹某些概念。

蔡雅如同學的作品比較跳脫了出來,她挖出過去大概是高中時期寫的日記,把它們印出來,赤裸地呈現在觀眾面前,大多是一些紀錄她負面情緒的文字。而她自己也透過檔案式的照片陳列以及她的現場行為去對比這些作品,她的檔案就是她的電動遊戲畫面,她把它們截下來,貼滿整面牆,而她自己坐在書桌前,繼續打她的電動。

接著,一個霎那間,她突然轉頭甜甜地問我們,要不要幫我們解說,讓我跟朋友都很訝異!本來以為她既然想成為作品的一部份,應該會禁止自己講話之類的XD

另一個比較印象深刻的部分就是動力裝置《ㄎㄧㄤ ㄎㄧㄤ》,是劉燦瑜同學的作品。大小及形狀不一的玻璃容器裡,有些裝了水,也些則維持空瓶的狀態,它們被設定成彈珠檯上的小柱子,陪伴兩顆銀色彈珠來回滾動。大一就做這東西感覺滿猛的,滿期待他之後的作品,明年有空再關注一下。打光也打得不錯,讓作品很有存在感。

成敏《和你分開所做的最後妥協》是一個簡單的互動裝置,你靠近燈泡它就瘋狂閃爍一發,讓你精神為之一振就是了。

最後我最喜歡的作品是一樓的《一起走走》,作者(也可能不是他本人的聲音啦)透過獨白的方式講述了三個短短的故事,從他自己內心的疑問出發,他質疑他自己的價值,但也為自己下了輕鬆的結論,先自問了「大學生為什麼這麼累?」而後說可能因為需要思考很多事情,「但我不累因為我不去思考」,很消極但很療癒啊。描述完人生活的價值之後,他繼續閒聊,「我似乎喜歡建築」(但他又說了他其實更喜歡批評建築)……
這些口白同時搭配著投影,小小的光點遊走在他所搭建的三座城市,這些城市像三座浮島,卻因為他的故事而被連接起來。我很喜歡這種獨白敘事性的城市故事,就算故事沒什麼意義也一樣,我喜歡被故事裡的情緒牽引,這種感覺像是不小心體驗到了別人的人生一樣,對我來說很驚喜也很有趣。

期末展好像沒什麼好總結的,畢竟也是聯展形式,沒有什麼特別的脈絡,但看到了很喜歡的作品很開心。剛好今天下午在北美館也有看到一件敘事性的作品,我真的很喜歡第一人稱視角的劇本,陳哲偉個展的作品之一《雙重肖像》也是透過獨白的方式去說故事喔,之後跟北美近期的其他展裡再一起寫一篇。

林庭如,2016年7月10日寫於台灣台北

展覽座談|圖像與機制 @南海藝廊

前天下午參加了《圖像與機制》的座談會,策展人是汪正翔,當天除了參展藝術家出席以外,也邀請了攝影之聲創辦人李威儀和獨立策展人呂岱如出席。

展期|2016 / 6 / 03 ~ 6 / 11(6/06, 6/07, 6/09休館)
策展|汪正翔
參展藝術家|許戊德、李承翰、吳孟真、李佳祐、楊雅淳、廖建寧、汪正翔、柯鈞耀(視訊連線)

座談|2016 / 6 / 05 Sun. 14:00
與談|呂岱如(獨立策展人、自由作家)、李威儀(VOP攝影之聲主編)
地點|南海藝廊(台北市中正區重慶南路二段19巷3號)
輸出|Metropoly Studios 指定/協力輸出

座談首先是由各創作者介紹自己的創作。

作品介紹


▲ 李佳佑《真實虛構》,Photo credit: 《圖像與機制》活動專頁

李佳佑的作品,乍看之下只是放出全黑全白的一組底片鑲以金框,但他分享了他自己觀看這件作品的方式:建議大家先找其中一幅作品,在燈光下細細凝視,看完以後,在觀看旁邊看似全白的作品,會發現兩件作品會是相對應的。
作品以家族舊照為基底,對他來說,相片裡的那些人都與他有著血緣關係,但那些故事卻都是他未曾參與的歷史。這些與他記憶無關的影像,卻成為了他家族存在的證據,同時也成為他自身存在的線索。
當觀眾以他所建議的觀看方式觀賞這件作品時,也會有類似他當時翻閱家族照片的心情吧。


汪正翔《現象世界Photo credit: 《圖像與機制》活動專頁

汪正翔則是對著電腦螢幕拍下作品,他不諱言這是一種很明顯很粗糙的方式,但他有點享受這種『耍low的快感』。
汪感覺是個很誠實的人吶(?),座談的過程時常覺得,「這你可以講出來嗎?」(會覺得好像在聽柯P講話XD)


▲ 楊雅淳《去除彩色後剩下的無彩色關係》Photo credit: 《圖像與機制》活動專頁

楊雅淳說她創作時其實習慣同時拍攝彩色與黑白,而這次的作品卻像是遊走在兩者之間,是她在「彩色」和「黑白」之間找出的「機制」。
她喜歡拍攝物體在空間裡既存的關係。當人們不特意去觀察生活日常中的環境時,這些物件都是獨立的,但透過影像的框架(也就是鏡頭),楊雅淳捕捉了那些無聲的關係。

一直很喜歡雅淳的作品,兩年前也寫過一篇關於她個展的文章,展覽|楊雅淳個展《Park》@田園城市風格書店。我個人覺得她的風格很統一,她的第一本攝影集《good night》以及那次在田園城市的展覽,也都是在拍攝看不見的「關係」。


▲ 廖建寧《The Flotsam of Time》Photo credit: 廖建寧個人網站

「是一組以想像的海岸風景為主題的作品。」廖建寧認為,攝影賦予圖像一種真實性,你也許不曾擁有過某種東西,但透過攝影卻可以確立它的存在。

看更多廖建寧的作品:https://dl.dropboxusercontent.com/u/10561697/web/index.html

各作品的理念也可以參考活動專頁的貼文:https://www.facebook.com/events/1043038375776588/?active_tab=posts

座談

討論的問題從展覽名稱就開始了,為什麼汪正翔選了「圖像」而非「影像」?
汪回答,他認為圖像涵蓋的層面比影像更廣。他也提到,聽過身邊朋友很多朋友談及影像工作時,會將彼此的工作區分為「做攝影的」或「做圖像的」,攝影比較像是傳統的紀實;而圖像相對於攝影,大概是一個比較「當代」的概念。

針對「機制」,台下也有疑問:機制代表的是否是一種限制?
欣姸在計程車上也繼續討論了這個題目,如果我們先設定好要拍攝的主題和方式,那這樣就是一種限制,但機制是這樣嗎?攝影真的需要這樣做嗎?
對我來說機制確實是這樣,所謂的機制不就是一套規律嗎(當然「規律」也可能是一套很多很繁雜的規則,但就姑且先整合成一套規律)?這也像是老師們常說的,要用「系列」的方式去拍照,而當你決定那一套系列的時候,那就是你的機制。

整場座談其實還滿久的,老實說我也沒有一直很專心,大概就是選擇性地聽進一些想聽的東西。

文末附上官方推薦的文章,可以透過一個較有系統的方式去了解作品的脈絡。

才晟耀:影像的相對質變,圖像與機制的歷程
https://talks.taishinart.org.tw/event/talks/2016060601

林庭如,2016年6月7日寫於台灣台北

展覽|第八屆亞太當代藝術三年展(昆士蘭美術館篇) APT8 @Queensland Art Gallery, Brisbane

第八屆亞太當代藝術三年展在布里斯本的昆士蘭美術館及昆士蘭現代美術館聯合舉辦,在我到澳洲交換的最後一段時間,剛好趕上看這次的大展。APT創立於1993年,至今已是第八次,本次展覽強調身體的藝術,透過不同媒材表現人的形體,首圖為Anida Yoeu Ali的作品。

Photo credit: APT8

THE 8TH ASIA PACIFIC TRIENNIAL OF CONTEMPORARY ART (APT8)
DATE: 21 Nove 2015 – 10 Apr 2016
VENUE: QAGOMA
FREE ENTRY

以下將介紹部分展於昆士蘭美術館(QAG)的作品(太多了介紹不完)。

Taloi Havini + Stuart Miller “Sami and the Panguna mine” (2009)

Taloi Havini和Stuart Miller的作品以大型的挖土機具對比在地人民的渺小和對於政策的無可奈何,圖中Sami穿著白色裙子,在強烈的灰黑色調背景下,顯得格外突出。

Segar Passi

畫了自己島上的風景和雨後冒出白煙的特殊天氣現象。他平常的身份其實是漁夫,過去,他以礁石作為顏料,混合貝殼裡的海水作畫,非常有漁民取之於自然的精神呀。

Khvay Samnang (Cambodia) “Rubber Man” (2014)

白色的橡膠從藝術家的頭頂往下倒滿全身,他的臉和他赤裸的身體都被這濃稠的液體覆蓋,模糊了他自身的形象;而背景則是柬埔寨東北部種植橡膠的樹林以及當地的村莊。由於當地橡膠業多由外資掌控,當地環境及原住民的生態問題並未受到重視,Khvay的作品多著眼於類似的議題,透過藝術表達他的思想。

Nge Lay (Myanmar) “The Sick Classroom”

導覽員解說時特別提到了,第一排的小朋友最認真,第二排交頭接耳,第三排東張西望,第四排就開始打打鬧鬧了。藝術家生動的紀錄了教室裡的場景,一如我們熟悉、也曾參與其中的成長過程;而不同的是,這些緬甸的學童上課必須跋山涉水,才能抵達他們的教室,他們渴望能有平等的教育機會,透過教育提升社會地位。

此作品除了大型的擬真教室場景外,也搭配了藝術家在當地拍攝的錄像及攝影作品。

Shiga Lieko “RASEN KAIGAN” (Spiral Coast) (2008 – 12)

Shiga Lieko的作品被安置在獨立的一間展廳中。

在陰暗的展場使用了44座展燈打亮作品,還原作品原本在強烈閃光燈下的風貌。

Lieko拍攝時多使用強烈的閃光燈,並以飽和的色調著稱。她拍攝了日本2011年海嘯前後的城市(Kitakama)風貌,並記錄了當地人們的生活。

作品以環狀形式直接擺放於地面,觀眾遊走在作品之間,就像親身走過了那些海嘯後的風景一般。

作品拍攝了當地人面對天災的方式,讓我們看見了許多帶有幽默的景象,有時是以重曝的方式拍攝手牽手的老情侶,走在看似迷茫的樹林中;有時是岩石、地景;有時聚焦於掌上的歲月紋路;有時則是男人的腿以及它們在水上的倒影;笑瞇瞇但卻失焦的老人;地上一大片五顏六色的垃圾……作品像是覆蓋著不同顏色的遮罩,充滿神秘。
在展場走了整整三次,第一、二次只覺得絢麗迷幻,直到第三次才認認真真看了照片中豐富而真實的內容。

Paphonsak La-or “Silent No More” Series (2014-15)

泰國藝術家Paphonsak La-or使用google map遊覽了日本福島在核災後的風景,一片綠意盎然的平靜土地其實充滿了致命的危機,然而外人是看不到這樣的危機的。就像泰國不穩定的政治現況,亦不是外人所能理解的。
一開始其實看不出他的指涉,覺得關聯性比較低一些,而確實某些藝術作品對事實的指涉有些模糊遙遠,以這樣的形式去探討議題,對我自己來說會覺得比較不清楚也比較沒有效率。然而藝術表現手法各異,藝術作品的每個細節都取決於藝術家的選擇,也造就了該藝術家與眾不同的特色。

STAB “We are for mtilingual Kyrgyzstan!” (2012)

三支一分多鐘的逐格動畫,闡述的是吉爾吉斯內部的語言問題,在政權更迭下,吉爾吉斯的官方語言也被不斷修改,曾經連帶產生了許多文盲。
官方語言代表的一個國家的政治形態,以及該國家對於歷史文化抑或是文化現況的尊重。然而如何才能促進國家內部有效率的溝通,並同時完整保存少數語言呢?

Liu Ding (劉鼎) “Qi Baishi in 1950” (2015)

以「西畫」的方式繪製了傳統國畫的字畫,而”1989″ (2015)也是以油畫的技法畫出windows的電腦程式視窗,並寫上在中國極具意義的政治年代,1989。

Abdul Abdullah “Bride I (Victoria)”

Kiri Dalena (The Philippines) “Erased Slogans” (2012 – 15)

Dalena收集了報紙上抗議群眾的照片,他們高舉著標語,試圖表達心中的意念,但藝術家卻以數位後製方式,抹去板子上的文字,藉以突顯政府對言論自由的壓迫,以及被時間淡忘的歷史。

Hit Man Gurung “Yellow helmet and gray house” (2015)

尼泊爾當地人民為了生計而前往其他國家工作,但工作合約以及嚴峻的工作環境卻為尼泊爾工人帶來了死亡。背景是沙烏地阿拉伯的建築群,畫作左方是工地常見的安全帽(如上圖),右方則是另一幅失去兒子的年邁夫妻。主題非常讓人悲傷,而藝術家對老夫妻的細緻描繪,例如眼周的皺紋和駝背的身軀,更突顯了尼泊爾工人的悲歌。原以為那些重複的背景圖樣是照片,走進一看才發現,全都是一筆一筆細細刻畫出的風景。

Yelena + Viktor “Necessary Additions”

Yelena和Viktor認為,證件照代表我們的身份,但卻又要求我們不苟言笑,完全看不出個人特色。他們在家裡找到了許多證件照,並試圖將他們改製成有趣的圖樣,使用了手繪技巧為一板一眼的照片加入更多趣味。

Navin Rawanchiakul

Navin畫了很多己,算是滿自戀的畫家吧?其實我看的時候都在猜想他話這些作品的時候是怎麼樣的心境?裡面他扮演了許多不同的角色、擁有不同的髮型和穿著,會不會他其實是一個很壓抑的人,所以在畫裡實現自己的想像呢?也或許他是很幽默風趣的人,所以畫作裡他的每個面容才會都帶著微笑吧。

Francis Upritchard “White Knight” (2012)

Francis的雕塑細膩刻劃了表演者的肢體語言,神情淡然的人偶卻有豐富的姿態。

APT舉辦至今已來到第八屆,本屆展覽將重點放在表演藝術、肢體藝術的視覺呈現,投過各種繪畫、錄像、雕塑等等紀錄了人的身體形貌,從學童、工地工人、舞者等不同身分切入,探討人與自然、政治、社會變動間的種種關係。
藝術因為與當代社會緊密的連結,也經常反映創作者所在地區的社會現象,看完此次三年展彷彿也窺見了亞太地區當今的社會風貌。

Author / 林庭如 LIN Ting-Ru

展覽|TV Moore: With Love & Squalor @ACCA, Melbourne

《TV Moore: With Love & Squalor@Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne

– For English version please scroll down-



TV Moore的展覽《With Love & Squalor》在墨爾本的澳洲當代藝術中心舉辦,

這次的個展是TV Moore在墨爾本的首次個展,包含了新作和舊作。

在規劃墨爾本小旅行的時候就在網路上看到這個展覽了,馬上筆記下來!

這次的展是ACCA『澳洲年度藝術家』專案的其中一部份,同時也呈現了TV Moore最近的作品。

Australian Centre for Contemporary Art melbourne
Address – 111 Sturt St, Southbank VIC 3006
Phone – (03) 9697 9999
Period -15 AUGUST – 27 SEPTEMBER 2015



展覽作品

走進展廳看到的第一件作品,便是這次展覽作為主視覺設計的作品,《Vin-ish》

▲ Vin-ish (2015)

這件作品是三頻道錄像。在最上面的畫面你看到的是一個帶著傻笑的男人,重複著無意識的動作;中間的頻道是同一個男人,但這次他留著眼淚,這次鏡頭並沒有帶到全身的樣貌,TV Moore選擇不凸顯他健美的身形,反而是停留在臉部,聚焦於他的脆弱和他的情感狀態;最下面的畫面則是他漫無目的的盲目遊走。




我想這某個程度上代表的是一種,人們不同的心理狀態和特質吧。




ACCA策展團隊的說法是這樣:

「這個角色是以美國演員Vin Diesel為雛型而設計的,以數位動畫的方式呈現,也因此帶有人造的、機械般的特質。飽滿的粉紅色背景襯托了Vin Diesel在流行文化中極具男性特質、同時也廣為大眾認識的個人象徵。」
好奇嗎?他長這樣囉。


ACCA這麼解釋:「結合了強烈的雄性特質與親暱的哭泣行為,藉此引發人們重新思考對性別的刻板印象。這件作品裡,Moore選擇的是大家很熟悉、而且具有強烈雄性特質的名人,但他想展現的,卻是他脆弱的一面。Moore自己也說:「Vin Diesel一年多前在Youtube上放了這段影片,他那時候應該是滿興奮的,在那個情緒下,他錄了自己喝醉酒、笨拙地跳舞的樣子,他也不覺得這是什麼私密的影片,他就直接把它放上網路。他展現的那種脆弱真的很美。」




Moore其實也探討了「真實」和所謂的「人造」,他用我們現在常見的軟體虛擬出Vin Diesel這個人。數位科技的發達讓一切都變成可能,但到底有哪些是真實可靠的呢?館方也說了:「Moore在Vin的名字後面加了-ish(大概的、類似的)這個詞尾,讓我們更加懷疑自己眼前所見的這個Vin Diesel,是不是真的是Vin Diesel。」




▲ Existence (2009)



這件作品是2009年的舊作。




它給我的第一印象是,我覺得它很溫暖,畫面裡的壁爐讓我覺得很溫暖,橘紅色的背景也讓暖意增溫。作品擺在牆面的下方,就是現實生活裡壁爐會出現的位置,這樣的擺放方式讓作品看起來更真實。

在火焰之後,畫面出現了很多壯麗的山川、冰河,並且在每個小段落的最後,從10秒開始慢慢倒數。你會不自覺認真的跟著影片一起倒數,一起準備迎接下個不一樣的感官巡禮,可能是另一個風景,也可能是下一個循環播方的起點,重新回到溫暖的壁爐。10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1.




▲ Tripasso in Wackyland (2014)



“Tripasso in Wackyland”裡,他結合了動畫和現成的電視節目內容或Youtube短片,例如一則報導或是一場籃球賽。你一方面會想看清楚背景節目的內容,一方面又想跟緊動畫的劇情,滿有趣的視覺經驗。

「這件作品其實挪用了Looney Tunes在1938年的小短片“Porky in Wackyland”,但Moore把主角換成繪畫大師畢卡索。你可以這樣解讀:畢卡索無助的困在自己的作品裡,不管多麼努力,他還是無法逃離自己。




“Porky in Wackyland”的影片連結在這裡




這個展間被漆成黃色和亮橘色,顏色飽和度很高,比前一個放置”Vin-ish”和“Existence”的展間更濃烈,(但照片可能有點看不出來)。策展人也在牆上投射了類似夕陽色調的光線,特殊的色彩和光線設定讓人感覺很溫暖,也讓人看作品看得更投入。




ACCA自己也說,其實空間裡面沒有放任何東西,但是光是這樣的色彩和光線,就能讓你覺得這個空間很滿。






▲ Photographic Paintings (2015)


這是一個布滿藍色方形磁磚的展間,地上鋪著大紅色絨毛地毯,天花板則是漆成飽滿的粉紅色,展場展示了四件超現實的攝影繪畫作品,分別是:《你》、《CCM》、《蛇洞》以及《夢想家》,都是2015年的作品。


這幾件作品採用的都是Cibachrome印刷技術(可以長久保留印刷品色彩鮮豔度)。Cibachrome其實是攝影作品印刷時常用的技術,根據某暗房工作室負責人Douglas Vincent的說法:「採用Cibachrome印刷技術的作品,表面非常光滑,尤其光從某些特定角度投射到作品上的時候,表面會非常的光亮;如果從比較側、比較斜的角度來欣賞作品,還可以看到金屬般的光澤哦



這幾件作品都是比較抽象的作品,有點表現主義的味道(?),藝術家根據自己心裡的感受來繪畫,表現自己心裡的狀態,所以沒有那麼的寫實。但還是可以辨別出某些明顯的東西啦,像是蛇的身體、眼睛等等。用色非常鮮艷,跟展間的氣氛搭配得很好。

特別的是,展場同時播放一件33分鐘的聲音作品《當貓夢到所有一切》,內容涵蓋許多Moore到處收集來的句子、網路文章、#網路熱門標籤等等,並用電腦模擬聲源唸出這些詞和句子。如果展場的設計換成比較灰暗、陰鬱的色彩,搭配一個狹小的展間,那這個電腦模擬聲就會顯得很詭異;但在這個明亮的展間裡,我其實不會太注意它的存在(也可能是因為我大腦有自動過濾英文系統,聽到英文的時候可以假裝什麼都沒聽到ㄏㄏㄏ)。但Moore想透過這件聲響作品探討的其實是,機器本身是不是能夠思考。在人工智慧這麼熱門的時代裡,這的確是滿值得思考的問題,也是許多藝術家著眼的重要議題囉。







通往下一個展間的小門一樣被漆成粉紅色,策展團隊也在門上打光,在下一個展間的牆上製造了陰影,這也暗示觀眾,下一個展間將會呈現不同的主題。









▲ The Way Things Grow (2014)

很喜歡這件動畫作品,裡面的各個小物件依靠著前一次旅程所得到的動力繼續滾動和前進,這個動力可能是地心引力、彈力,甚至是燃燒產生的熱能,他想到了各式各樣的能量形式,帶動整個畫面不停推進。沒人穿的鞋子慢慢走動、推動了木製輪子和汽車輪胎,有時又是紙捲、有時候是火焰,概念很簡單,但是透過這樣的方式表現,卻很有張力。









▲ Frat Self SUN SPACE (2015)



這件作品裡,你看到的是一個一直自拍的自戀男子,在壯麗的自然景觀前、在外太空….在每個不同的場景裡,他做的事情就只有自拍。背景有時會換成滿天漂浮的自拍棒,滿可愛的。




我很喜歡Moore的風格,以幽默或是戲謔的手法來說一些跟社會有關的議題或故事。即使站在美景前,有些人也只是找wifi、在臉書打卡,而不是多看一眼眼前那片美麗的風景。







結論

Moore的作品題材非常廣泛,有藝術史裡的明星藝術家,也有當代的電影名人。善用各種視覺語言衝擊觀者的感官以及思維,卻又讓作品充滿趣味,也許這就是他受歡迎的原因吧!




他在一段The Creators Project為他做的專訪裡提到:「我覺得有時候『視覺藝術』其實並不那麼『視覺』,很多時候那其實都是創作者靠著想像和直覺所創造出來的世界。」




「其實這次展覽我想說的是,科技是非常多元化的,可以很私密、也可以很公開的,可以很脆弱、很甜美,也可以很怪。我想這就是它有趣的地方吧。」





林庭如,2015年11月寫於澳洲坎培拉
– ENGLISH VERSION BEGINS HERE-

TV Moore: With Love & Squalor@Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne



This is his first solo exhibition in Melbourne. With Love & Squalor is part of ACCA’s annual Influential Australian Artist program, and brings together a combination of TV Moore’s recent and new works,” says ACCA.

When I was planning my trip for the study break, I saw this exhibition and highlighted it in my notebook right away!



Australian Centre for Contemporary Art melbourne

Address – 111 Sturt St, Southbank VIC 3006
Phone – (03) 9697 9999
Period -15 AUGUST – 27 SEPTEMBER 2015




When we entered the gallery I was attracted by the key vision artwork, Vin-ish (2015).








This is a three-channel video. On the top one you saw a man with silly smile and does some unconscious movements. The second one, you found the same guy but he’s tearing for some reason. The lens focus on his facial expression instead of the whole body, ignoring his robust body and put emphasis on his vulnerabilities instead. And the last one, this guy wonders around numbly and scrambly.



I think this kind of reflects the different characteristics and status of mind of people.




According to the curatorial team,

“the central figure appears to be modeled on Vin Diesel the American actor, but being digitally animated, the figure has an artificial or machine-like quality. With a lush pink backdrop, Vin-ish resents an intimate encounter with a highly recognisable masculine figure in pop culture.”
Curious? Ok this is how he looks like.




As ACCA said, “The pairing of a masculine icon with the intimate act of crying questions gender stereotypes. In this work Moore takes a hyper-masculine figure from the media that most of us would be familiar with, and makes him vulnerable.” Moore himself stated, “He(Vin Diesel) YouTubed this video a year or so ago where he was on ecstasy or something, and it’s this delicate moment where he chose to film himself dancing, awkwardly and drunk. Instead of private he went public—he doesn’t care—and it was a vulnerable, beautiful thing.”



Moore also discusses the real and artificial characters/stuffs in the world through this piece of work. He made the avatar for Vin Diesel through the advanced software we can easily access to nowadays. Thanks to the digital technology, we can made every image possible, but is it really authentic and reliable? “By adding –ish to Vin, Moore adds an element of doubt to whether this figure is actually Vin Diesel,” commented by ACCA.




▲ Existence (2009)

So this one is an older piece from 2009, six years ago.

For me the first impression is, I felt warm when I came closer to the fire place. The bachground wall is red, which reinforces the sense of warm again. And this piece was put at lower position that similar to where a fireplace would really be. That’s why it is somehow so real.


Following by the flames, we found marvelous scenery like mountains and glacier in this video, and you would somehow follow his instructions in the video to count down and to prepare yourself for the next different settings in the film. 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1. Change.



▲ Tripasso in Wackyland (2014)

In “Tripasso in Wackyland,” he combines those ready-made TV and Youtube footage with his animation, for example, a broadcast for basketball game. On one hand you tried hard to see the scenery behind the illustrated animation, on the other hand you wanted to know the story line for it. Quite an interesting experience.
“The work is a reference to and appropriation of the Looney Tunes
short film ‘Porky in Wackyland’ from 1938, but Moore has replaced Porky Pig
with Pablo Picasso, “ ACCA stated, “this video can be seen as a portrait of Picasso haunted by his own artwork, and running away from his own self.”

ps. Link for “Porky in Wackyland” is provided here.

The room was colored yellow and orange, even it’s not so obvious in my photos, they are actually more saturated than the previous room where “Vin-ish” and “Existence” located. Moreover, there’s “a sunset-like glow” on the wall, both making me feel warmer and engaged. 

Although there is actually nothing physical in the space, the gallery feels completely full.” (-ACCA)




▲ Photographic Paintings (2015)

With four surrealism works, the curator decorated the room with blue square tiles, red rug, and pink ceilings. All the four photographic paintings in this room, “You,” “CCM,” “Snake Pit,” and “The Dreamer,” were produced in 2015 and painted on cibachrome. 
The suface of cibachrome “is exceptionally smooth giving prints a high gloss finish with light reflectance that is somewhat directional — viewed at oblique angles, prints can have an almost metallic appearance.” (According to a darkroom studio owner Douglas Vincent.)

The topic in these four pieces are not so recognizable. You may think that they are a bit expressionism, which artists create works based on their internal status instead of objective perception to the world. However, you can still identify some obvious characteristics in the paintings, such as the body and eyes for the snake. Colours of these four pieces are very prominent, matching the atmosphere in this room pretty well. 

Another work in this room is a sound work called “When Cats Dream of Everything,” which is composed of a variety of phrases, twitter poems, hashtags, etc. That is a computerized sound produced by Moore. What he wants his audience to think about is, can machine think or have emotion? I reckon this is an interesting topic especially in this generation which Artificial Intelligence is a hot thing. You can also figure a list of artists focus on this issue to create their own artworks.



Before entering the next room, the curator put a pink gate and used the light to cast shadow on the wall behind the gate, giving us a hint that they are about to change the theme for the next room.






▲ The Way Things Grow (2014)

“The Way Things Grow” (2014)


I like this animation a lot. Those little things keep moving on by energy they’ve got in previous journey, such as gravity, bouncing, or even thermal energy. Starting with a walking shoes which no one wears on, and then pushing the wooden wheels and tires, sometimes there’s a paper roll, sometimes flames… The concept in this work is pretty simple, but the way he expresses is quite interesting and impressive.





▲ Frat Self SUN SPACE (2015)

In this work, you will see a guy keeps doing selfies in different scenes, from brilliant natural landscapes to the outer space. Yet sometimes behind him there are many many selfie sticks floating in the background.


I really like the style Moore creates. He uses a humorous way to tell stories, and leads us to think about social phenomenon. Even standing in front of the sublime landscapes, the only thing you do is checking wifi access and checking-in on Facebook without a second glimpse on marvelous scenes.




CONCLUSION


Say, TV Moore created many art pieces based on a variety of references. From art history famous star to celebrity in contemporary era. He utilises multiple visual languages to collide with your senses and thoughts. You can find lots of fun appreciating his works. I guess this is why he’s popular.



I was impressed by TV Moore’s words in his interview made by The Creators Project. “I think art sometimes loses the fact that it is visual art, and imagination and intuition is a huge part of it.”




Also in the same interview he stated, “This show is speaking to the fact that technology can be private and public at the same time, and vulnerable and sweet and soft and weird. I think it’s an interesting place that we’re at.”






NOTE

The ACCA comments were  written and compiled by Georgina Glanville, Artist Educator and Alyce Neal, Casual Educator, ACCA. 







Lin Ting-Ru

finished in Canberra, Australia. Nov 2015 


展覽|《鏡頭下的東歐》@澳洲攝影中心 Ex & Post – Eastern Europe Under the Lens @Australian Centre for Photography

#NOTE#
For English version please refer to the following paragraph.


在雪梨的倒數第二天終於來澳洲攝影中心了!
懷著非常期待的心情呀!!
搭車時也很緊張,根本很少人會來這,沒人知道這是哪的感覺XD
問路人她也不知道,只好根據google map給我的時間亂猜亂下車了。

但我成功到達目的地啦~~


In the last two days in Sydney, I went to the Australian Centre for Photography(ACP).
I was so excited about this!!
I felt anxious when I boarded on the bus because few people come here and it seemed like no one knew where it is XD
I’ve asked a passenger sitting next to me about this building but she got no ideas, I tapped off from the bus based on the ETA time google map gave me. But I made it! I was there for ACP! Yay!




看了三個展,一個是拍香港雨傘革命;
一個是來自東歐攝影家的聯展,主題是共產主義以及資本主義之下的世界;還有兩個藝術家的個人作品。

I took a look at three different exhibitions. The first one is about the umbrella movement in Hong Kong. Another one is a group exhibition of Eastern Europe photographers, featureing the communist and capitalist societies. And yet there are two more solo exhibitions for two individual artists.





那重點就放在東歐攝影家聯展:
《Ex & Post – Eastern Europe Under the  Lens》(暫譯:《鏡頭下的東歐:之前與之後》)
來自匈牙利、拉脫維亞、德國、斯洛伐克、烏克蘭等地的14個藝術家,共同參與由Sari Stenczer策劃的聯展。

「《鏡頭下的東歐:之前與之後》重點放在前共產集團掌控下的社會狀況,在轉向資本主義後面對的出社會主義後,如何以藝術以及攝影的方式實踐。」(以上是自己翻譯的希望沒錯嗚嗚)


Now I’ll focus on the group exhibition of the Eastern Europe artists–
“Ex & Post – Eastern Europe Under the  Lens”
14 artists from Hungary, Latvia, Germany, Slovakia, Ukraine, and so on, participated in this collaborative exhibition curated by Sari Stenczer.

Ex & Post – Eastern Europe Under the Lens takes focus on artistic and photographic practices in the former Communist bloc, surveying the current conditions and recent histories of conflict and socialism through to the transition into capitalist market-driven economies.”



Sasa Tkacenko《Perfect Ride》(暫譯:完美駕馭)

首先看到的第一個作品是來自塞爾維亞的Sasa Tkacenko所拍攝的一支五分鐘小短片
作品名稱是《Perfect Ride》(暫譯:完美駕馭)(2012,5:04 min)

場景是在一個廢棄的當代美術館,Contemporary Art Museum of Belgrade,
鏡頭跟著一個厲害的滑板玩家前進,從第三人稱的視野先帶出美術館的場域,一片白牆,大面積的落地窗,卻沒有任何作品在裡頭。跟著滑板客的步調,我們一一看到了美術館裡的不同展場,鏡頭跟著他上、下樓梯,跟著他厲害的滑板招式緩緩前進。有時候他一躍而起,挑過一張美術館的常見的長椅,而滑板跟著他的步調從椅子下滑過去,擁有精湛技巧的他帶著我們穿梭整座美術館。
而作品名稱使用了「完美」這樣的字詞,對比著如同空城、但原本應該是擁有許多華麗藝術品的美術館,非常的諷刺。
The first art work I saw after getting in is made by a Serbian artist named Sasa Tkacenko, a 5-min video called “Perfect Ride” (2012, 5:04 min)

The scene is at an abandoned art museum, Contemporary Art Museum of Belgrade.
The lens follows an excellent skater and moves as the third perspective, bringing out the different field of the art museum. We see a great white wall, a huge ceiling window, but not any art pieces inside. Following the skater, we have views on different galleries inside the museum. He goes up and down the stairs with brilliant skills, jumping over the long bench commonly seen in art museum while his skateboard runs thru the bench beneath him, and takes us to travel around the museum.

So now the word “Perfect” was mentioned as a title of this art work. If we compare this to the emptiness in the art museum now, compare to a place which is supposed to have lots of gorgeous art pieces in it, isn’t it sarcastic?




Andrej Balco《Suburbs》(暫譯:城郊)


接下來是我很喜歡的一組攝影作品,來自斯洛伐克藝術家Andrej Balco的《Suburbs》(暫譯:城郊)(2005-2006)

他拍攝了住在擁擠公寓區的不同住家,在看似共同的空間裡,人們依舊試著做出不同的、屬於自己風格的房間擺設。
這些公寓是過去1970年代的建築產物,但在今日,即使缺乏足夠的生活機能以及工作機會,人們仍舊住在這狹小的空間裡,繼續生活著。
策展人說,「Balco的這個系列不僅有趣,也很敏銳的表達出一些東西。這些照片拍攝於他們共有的私密空間,透過這些作品,我們可以看到在相同環境裡的極為個性化、客製化的『方形空間』。」

我很喜歡他的鏡頭語言以及整個作品的陳設方式,不過他並沒有特別做什麼樣的陳設啦,只是作品的順序排列得很有故事性,從左上第一張作品依照S型的順序往下看,鮮豔的色彩從室內跳到戶外再跳回室內,暖色系和冷色系的作品交互搭配著,彷彿是要訴說沉重的主題,卻給人異常輕快的感覺。

The next piece is my favorite one. Andrej Balco from Slovakia, “Suburbs” (2005-2006)

He takes snapshots in the crowded blocks of flats. In this shared space, people try hard to personalize their private rooms and make them as unique as possible.
These flats were constructed in the 1970s. Though “today they lack retail and employment opportunities,” they still live in these tiny houses.
According to the curator, “Balco’s series, constituted of funny but also sharp snapshots from these shared and private spaces, gives an insight into the varied possibilities for the personalisation of ‘cubes’.”

I like the visual language he uses and the layout of his works. He doesn’t do anything special for the arrangement, but the way he arranges his photos is pretty narrative. And the vivid colours jump from warm colours to cold tones, from indoor to outdoor, they are so interesting as well. It seems like he wants to convey a serious issue but he in the meantime gives us the sense of ease and delight.

 ▲ Andrej Balco 《Suburbs》(暫譯:城郊)


Tehnica Schweiz《Garage Project》(暫譯:車庫計畫)

匈牙利的攝影家Tehnica Schweiz使用了幻燈機,循環播放80張攝於車庫的作品,《Garage Project》(暫譯:車庫計畫)(2007-2009)

這些車庫來自1960至70年代的工業生產計劃,由工人搭建,並且供給工人居住;隨著工廠的私有化以及失業率的上升,這些位於匈牙利的車庫失去了原本存在的目的,卻有了新的功能。想暫時逃離家庭生活的男人群聚於此,新世代的青年也在這裡培養屬於他們的次文化。

「2007年,雙人攝影搭檔Gergely Laszlo和Tehnica Schweiz開始記錄這些車庫的內部裝潢,並且把這些深鎖於車庫大門之後、充滿想像力的場景呈現在大家面前。」策展人如此敘述著。

Hungarian photographer Tehnica Schweiz chose a slide projector to present his works. There are 80 slides playing in loop, which he took in the garages. “Garage Project” (2007-2009) is its name.

“These garages built by and for the workers of the Duna Iron Works Factory in the late 1960s and 1970s. When the factory was privatised and the unemployment rate increased, these communal constructions lost their primary purpose.” However, they got new meaning these days. Men who escaped from family life gather here, and it’s also “a scene for alternative youth culture.”

As the curator said, “In 2007, the collaborative artistic duo Gergely Laszlo and Tehnica Schweiz started to document the garage interiors and to stage imaginary scenes of what could be found behind the locked doors.”

▲ Tehnica Schweiz 《Garage Project》(暫譯:車庫計畫)



Tamas Dezso《Notes for an Epilogue》(暫譯:終場記敘)

創作者Tamas Dezso同樣來自匈牙利,他為羅馬尼亞的貧富差距以及獨裁統治做了一系列的紀錄。透過承接這一連串變化的地景及人文風貌,他將當地居民的心理及生理掙扎記錄了下來。


照片的色調我非常喜歡,帶著憂愁的咖啡色及灰色調給人沉悶的感覺,但大片大片的風景卻又像是童話事故裡的場景一般,蒙著一層神祕的氣息。

Artist of “Notes for an Epilogue,” Tamas Dezso, comes from Hungary as well, and he documents the economic disparity and cruelest dictatorships of Romania. Through the landscapes and humanistic scenes, he records the psychological and physical struggles in the mind of the local resident.

I super like the tone in the photos. With a sorrowful brown and grey tone, they give me a sense of depressed; nevertheless, the magnificent scenes are so similar to the fairy tales and covered by a mysterious layer. 

▲ Tamas Dezso 《Notes for an Epilogue》(暫譯:《終場記敘》)



Kirill Golovchenko 《Muscle Beach》(暫譯:肌肉海灘

Kirill Golovchenko 來自烏克蘭,他拍攝了位於基輔的運動公園,在公園裡可以看到不同階級的族群,聚集在這邊健身,因為公園是免費的開放場域。
「在過去的蘇聯時代,你總是可以看到大量的運動員照片,或是健美身形的形象海報……」
位於基輔的市民運動公園是個很特別的地方,這個公園建於1970年代,目的是要創造一個共同的運動空間,而這個空間有著一萬平方公尺的面積,然而現在大部分的運動器材卻都是生鏽的了。

「這些在運動的人們同時帶著愉悅和痛苦,這些情緒就如同他們生存在烏克蘭的現況一樣。」


這件作品名稱是《Muscle Beach》(除了翻成《肌肉海灘》我不知道還可以翻成什麼XD)(2012)。
我沒有拍到這件作品,但不要搜尋它,如果你google的話你只會看到一個加州的海灘,好像真的叫做Muscle Beach XD。(好可愛啊,好像卡通Regular Show裡面會出現的名字XD)

Kirill Golovchenko, from Ukraine, he shoots the sports park in Kiev. People from different social statuses come to the park, cuz it’s free to enter.

“and their portraits align the joy and pain of bodybuilding to the joy and pain of Ukrainian situation.”


I took no photos for this art piece but please don’t google it. You will not gt anything except for real muscle man walked around the beach, so weird~~~ha



Lucia Nimcova《Exercise》(暫譯:體操)

 Lucia Nimcova是斯洛伐克的藝術家,她拍攝了一支小短片《Exercise》(暫譯:體操)(2007,5:53min),找了一些他們國家的老人,請他們回憶年輕時所學到的健康操,由她記錄下這些動作。這些農村的老太太好可愛,有人還會偷瞄別人XD;而另一個場景發生在飯店,由穿著西裝的經理們一起完成這些韻律動作。

透過這些機械式的動作,她想傳達的是他們過去被規範的集體記憶。這些規範透過比較有趣的、生活化的方式來箝制他們某方面的思想,而這個被制約的記憶就是健康操。

A Slovakian artist Lucia Nimcova shoots a short film called “Exercise.” (2007,5:53min)She got the elders from her country and made them recall the exercise they learned while young. She then documented their movements. These old grannies were so lovely that they did the exercise and some of them peeped on others to check whether their own movements were right or wrong. She got another scene in the hotel, making the suit-up managers do the same thing in their own reigns.

These mechanical moves were part of the confined and suppressed memory for the specific generation. Through this rather interesting way, the government control their thoughts and lifestyles.


▲ Lucia Nimcova《Exercise》(暫譯:體操)(2007,5:53min)




Iveta Vaivode《Somewhere on a disappearing path》(暫譯:在將逝之途的某處

Iveta Vaivode《Somewhere on a disappearing path》(2014),這件作品是一本手工攝影集,精美的裝訂和漂亮的封面讓人印象深刻。藝術家回到她母親和祖母生長的小鎮,試圖尋找過去的記憶,也拜訪了許久未見的遠親。透過這個偽造的記憶相冊,她讓我們看見一個童話般的故事場景,這些場景連結到非常完美的童年回憶(即便不一定是真實的,即便現實生活中不一定會存在/發生)。

這件作品讓我聯想到上次在非常廟看到陳文祺的展覽《偽日記》,我很喜歡這樣的概念呢!雖然不真實,但很美好。

A wonderful handmade photo collection made by Iveta Vaivode, “Somewhere on a disappearing path.” I was impressed by the beautiful cover and exquisite  binding. The artist went back to the city her mom and grandma grew up, managing to find out  the past memories, and by the way she visited many relatives which were not so close to her before. The beautiful children-book-like scenes in this fake photo album make the childhood memory clear to us — even it is not necessary to be true.

This piece remind me of an exhibition in Taiwan, which was made by Wen-Chi CHEN, called “Fake Diary.” He brought those wonderful little things together, even it’s surreal, it is still so wonderful.

▲ Iveta Vaivode《Somewhere on a disappearing path》(2014),相冊封面

▲ Iveta Vaivode《Somewhere on a disappearing path》(2014),相冊內頁




Ivars Graclejs《My Potograps》(暫譯:影像)

Ivars Graclejs,拉脫維亞的藝術家,他使用了明信片的方式來呈現作品,這些明信片都是你可以直接拿走的唷,我想這樣是一個很好的收藏方式,讓每個人都可以輕易地擁有一件藝術品。《My Potograps》(2005)

他表達的是近年來東歐的混亂社會現象,不管是政治或是社會上都充斥著奇怪的言論及舉止,但即使生活不完美,他們仍保持著他們特有的幽默感。

Based in Latvia, Ivars Graclejs present his works on postcards. And the point is, you can take them away! which I reckon is a good way to OWN an art piece. Everyone got access to own an art work easily.

He tries to demonstrate the chaos in the Eastern Europe nowadays. In political stage or in the society, weird behaviors are everywhere. But event though life are imperfect, they got their senses of humor to look on the bright side for life.


            ▲ Ivars Graclejs《My Potograps》(2005)





以上就是東歐攝影家聯展的部分了。整體來說我很喜歡這個展覽,他所訴說的東歐議題非常多元,我想這些社會現象其實發生於許許多多的國家之中,但是如何表達這些現象,對攝影家們來說是很難拿捏的吧。
就我自己來說,我很希望能夠把現在的社會樣貌拍下來,不管是我生長的台灣,或是現在待著的坎培拉都一樣,但是如何記錄城市,對我來說是個還沒有答案的問題,但我會繼續拿著我的相機前進,就像老生常談的那句話,多拍就對了。

So that’s all about this exhibition. In general I like this show so much, and the thing he tries to convey was the multiple social issues in Eastern Europe, and they are all diverse. The problems happening in Eastern European are in fact the common issues happening in some other where in the world. The thing is, how do a photographer document this phenomena precisely in their own way.
For I myself, I wish I could  document the humanistic scenes in the society, no matter cities in Taiwan, or my current city Canberra. But I haven’t find out my own answer to this question. However, I will keep on shooting as the old cliches goes. 🙂



最後,對於展覽有興趣的人可以看一下官網的介紹:
https://www.acp.org.au/index.php/exhibitions/88-exhibitions/exc-2/546-ex-post-eastern-europe-under-the-lens

Link attached below is their official website. Check it if you’re interested in ACP!

https://www.acp.org.au/index.php/exhibitions/88-exhibitions/exc-2/546-ex-post-eastern-europe-under-the-lens


ACP樓上是他們的教學空間,有暗房也有數暗,而且全部都是mac唷好爽噢!(不過其實在澳洲看到的lab幾乎都是mac,我學校宿舍的lab裡也都是,好羨慕~~螢幕好大好爽~~~)